Pintura pródiga

noviembre – diciembre

Pintura pródiga

Dario Basso

Dario Basso Galería Cortabitarte

En sus cuadros, abstractos y cargados de materia, podemos ver un énfasis en la textura en la línea de la obra de Tàpies o Barceló, sin embargo la obra de Basso juega a su vez con colores llenos de sutilezas y varía de los tonos pardos y tierras.

Dario Basso, aunque nacido en Venezuela se crió y formó artísticamente en España, algo que se puede apreciar en su pintura, heredera clara del informalismo español, no en vano durante su formación artística estableció contacto con muchas de las grandes figuras de la pintura en España como Darío Villalba, Eduardo Arroyo y Gustavo Torner, aunque más tarde su espíritu nómada le llevaría a recorrer muchos otros lugares como la Academia de España en Roma o la New School of Visual Arts de Nueva York.

Sus obras se pueden contemplar en centros como el Centro Nacional Reina Sofía, el Centre del Carme de Valencia, la colección Caixa fórum, los museos de arte contemporánea de Teruel, Oviedo, Extremadura, y el Centro Gallego de Arte Contemporáneo entre otros.

Catálogo de la Exposición

Paisajes vividos o imaginados

Septiembre – Octubre

Paisajes vividos o imaginados

Carmen Montero

Paisajes vividos o imaginados

Con una pincelada suelta y fresca, Carmen Montero crea cuadros llenos de vida, con una atmósfera fresca y atrayente. Los paisajes, como ensoñaciones, parecen momentos congelados en el tiempo y crean historias a través de una sola imagen. El estilo de la pintora, a medio camino entre la figuración y el expresionismo abstracto, utiliza colores vibrantes y luminosos que dotan a los cuadros de una gran personalidad.

En esta exposición me he centrado en crear paisajes vividos o imaginados donde el paisaje actúa como protagonista. Paisajes o motivos vegetales que inducen un estado de calma invitándonos a sentir el efecto que la naturaleza produce en nosotros cuando nos adentramos en ella.

Una manera de disfrutar de la naturaleza dentro de las grandes ciudades, son los invernaderos. En estos espacios artificiales la naturaleza está confinada en construcciones transparentes para mantener microclimas particulares. Estos lugares me parecen especialmente mágicos porque nos hacen viajar. Nos transportan a otros escenarios con diferentes climas y vegetaciones exóticas.

La naturaleza es una continua fuente de inspiración para mi. En ella encuentro una infinita diversidad de formas texturas y colores. Colores que invitan a observar la variedad de tonos dentro de una misma gama de color.

Las cosas no son exactamente como las recordamos, al menos yo en la pintura lo que busco es como me siento en un espacio determinado o como mi cuerpo reacciona ante una situación en concreto, por eso me gusta expresarme mediante la pintura de forma figurativa combinada con formas más abstractas.

Me entretengo observando motivos vegetales en su hábitat natural , y en ocasiones aparece algún elemento arquitectónico, o alguna figura recreando escenas robadas, que hacen soñar historias.

Mi motivación es que cada cuadro tiene que ser especial y único. Cuidando los detalles, aplicando lo que ya sé y descubriendo cosas nuevas en el camino. Por eso, cuando encuentro el tema, investigo diferentes maneras de ejecutarlo hasta descubrir qué es lo que me interesa expresar y sintetizando la idea, y poder representar mejor lo que siento. En ningún caso pretendo que ese sentimiento corresponda con el del espectador.

Es la intuición la que me hace elegir el motivo, bien sea de algo que he visto, un recuerdo o un sueño. De ahí la elección del nombre de la exposición «PAISAJES VIVIDOS O IMAGINADOS».

Catálogo de la Exposición

El Misterio de la Pintura Enrique González

El Misterio de la Pintura

Julio – Agosto

El Misterio de la Pintura

Enrique González

El Misterio de la Pintura Enrique González

Mi obra es el resultado de una mezcla de influencias, recuerdos, pasión por la luz y la sombra, por la perfección, la excelencia, la pintura, y el arte en todas sus vertientes, dejando siempre que mi intuición dirija el rumbo de mi camino. Antes de comenzar un nuevo trabajo, aparecen en mi mente distintas imágenes, en principio incoherentes, pero que tras una labor de reflexión y observación van encontrando su lugar, hasta desvelarme el resultado final.

Después de casi cuatro décadas dedicado al oficio del arte, creo poseer un lenguaje propio y personal para expresarme. Cada uno de mis cuadros está ejecutado con la idea de encontrar respuesta a una pregunta que me acompaña durante toda mi vida: ¿porque hago lo que hago? Intento resolver esta cuestión meditando sobre el origen y el porqué de la belleza, la luz y lo oculto. Esta búsqueda incesante, es para mí el principal motor para continuar con una labor diaria y evolucionar sobre las diversas cuestiones que tengo solventadas y las que no. Reivindico la pintura como lenguaje actual del arte, frente a las cansadas rupturas como táctica comercial del simple espectáculo. Si lanzamos una mirada superficial sobre el arte actual, podría parecer que está todo hecho, y que no quedan caminos ni recorridos nuevos, pero una obra de arte no tiene que ser necesariamente algo nunca hecho con anterioridad, ni necesariamente algo eminentemente nuevo.

El arte no debe tratar de inventar nada, sino imitar la bella perfección de una naturaleza preexistente. Importa el contenido, su personal lenguaje, su belleza. No siempre es posible escribir un libro como el Quijote de Cervantes o el Ulises de Joyce, pero si se pueden escribir muy buenos libros, ricos en contenido, que nos muestren la fuerza del creador. Mi posición es defender la pintura y retomar lo mejor de ella, recuperar su dimensión poética y metafórica, su capacidad de ilusionarnos y enamorarnos, de vibrar de nuevo con la buena pintura. Quizá no sea sólo la recuperación de la pintura, quizá sea también buscar la dimensión transcendente de lo sublime. Defiendo la pintura, el cuadro como objeto, como un elemento que se aleja de la realidad actual, de un mundo hiperconectado. El cuadro como entidad física, no necesita una conexión a ningún tipo de red, es independiente y por lo tanto aporta, y creo que aportará en el futuro, una libertad de la que poco a poco nos estamos desprendiendo casi sin darnos cuenta. El control de las personas, y de todos los actos que realizamos en nuestra vida diaria está cada vez mas monitorizado, sin embargo el espacio de la pintura, su contemplación y disfrute se convertirá en un futuro muy cercano en un espacio de reflexión, independencia, y por lo tanto de libertad.

El Misterio de la Pintura Enrique González

Mi amor por el arte clásico es profundo, especialmente hacia los artistas españoles e italianos del Renacimiento. Hay quien dice que pinto cómo Tiziano, ¡quién pudiera!, no tengo ese dominio técnico, ni mucho menos, ni me interesa, precisamente al utilizar en mi trabajo imágenes creadas por alguno de los grandes artistas de la historia me dan la medida de donde estoy, y me ayudan a profundizar en la esencia misma de mi trabajo. Es importante para mí desvelar como están realizadas las obras clásicas, que utilizo para crear mis composiciones, de esta forma intento reaprender las distintas formas de hacer en el arte, y así saber como prescindir de elementos superficiales.

Con esta forma de construir mi obra intento ofrecer al espectador una imagen compacta, con fuerza y con un atractivo especial, que ofrezca al espectador una mezcla de símbolos o metáforas que por asociación de ideas, le lleven a formar sus propias conclusiones. Las imágenes que aparecen en mis cuadros son generalmente familiares y conocidas por el gran público, pero de repente, al observarlas, ofrecen una sensación de calma y a la vez de misterio, donde lo cotidiano convive con lo extraño, y lo real y lo ficticio crean un discurso entre sí. De la misma forma que las obras de Magritte, Gerhard Richter, Laurent Grasso o Robert Longo producen a quien se pone delante de ellas. Mi deseo es cuestionar nuestra humanidad a través de un juego de negaciones, mi obra está inspirada en la música, en la poesía, sin dejar atrás referentes como el cine o las artes escénicas. Considero ineludible y necesario mantener un halo de misterio en ellas, para mí es importante que la obra contenga siempre algún resquicio oculto al que no podamos nunca entrar, y no consigamos saber explicarlo con claridad. Por este motivo en ocasiones hay partes del cuadro que permanecen ocultas tras una armadura de madera dorada, en la que se encuentra una ranura de mayor o menor tamaño. Este misterio al que me refiero, ha permanecido presente a lo largo de la historia del arte, hay algo oculto detrás de las grandes obras de arte, que impulsa a miles de personas a que viajen para visitar cada día los museos mas importantes del mundo.

El Misterio de la Pintura Enrique González

Para mí la práctica cotidiana del oficio de la pintura, hora tras hora, día tras día, acaba transformándose en una meditación, casi en un acto religioso, donde el resto del mundo con su bullicio, queda alejado de esta, para mí, noble ceremonia que se celebra dentro de las cuatro paredes de mi estudio. La búsqueda del origen de lo humano, del misterio de la vida, son las directrices que me guían. Mi deseo es que mis cuadros coexistan con quién admira todos estos elementos sutiles, que se encuentran en la esfera de la belleza. Podría afirmar que la belleza es una necesidad para mí, un impulso hacia el encuentro de un estímulo dormido en lo más profundo de mi interior que conecta con elementos sutiles, que se incorporan de esta forma a un orden especial.

El Misterio de la Pintura Enrique González

Catálogo de la Exposición

De madera y color

Mayo – Junio 2022

De madera y color

Manuel Lubián

Hasta donde alcanza su memoria, Manuel Lubián tiene recuerdos de estar tallando madera con su maza y cincel, es decir, desde que era un niño, no sabe bien por qué pero es innato a él…no ha dejado de tallar obras en madera en todos estos años, por lo que no es de extrañar que su técnica sea depurada y sus “golpes” certeros y precisos.

La madera es un material noble y vivo, aún después de no estar anclada a la tierra, tiene vida propia y sigue con sus movimientos reológicos, sensibles a las condiciones adversas de climatización; Lubián lo sabe y con sus años de experiencia domina la materia y cuida hasta el último detalle, para que a sus Obras de Arte no les afecte nada externo. También se atreve con la policromía sobre este material de belleza propia, complicando el proceso aún más pero cuyo resultado es llamativo y hace que supere la belleza inicial de su obra en madera vista, no en vano, sus obras tienen dos caras, a veces una policromada y otra sin policromar, así puedes comparar… Como en la obra “los novios” ¡Yo aún no sé cuál de ellas me gusta mas!

De Madera y Color

Su imaginación no tiene fin y refleja, sin pretenderlo, el carácter de la escultura gallega de siglos anteriores en obras como “Madre antigua, Madre moderna”, maternidades que encontramos como tema imprescindible en su obra de todas las etapas, hasta temas cotidianos de la vida como, besos, abrazos, músicos, bailarines, ir a la compra o jugar con un globo…..! con un toque de humor e ironía que, si no lo ves en la obra, el título lo desvela al instante.

De Madera y Color

Juega con el simbolismo en toda su obra, desde el inicio, es decir, desde su obra figurativa de primera etapa hasta la actual, incluso lo encontramos en las obras surrealistas de la serie “¿ Adivina quién soy ? “ o en las obras abstractas como “ El hombre del acordeón ” ambas surgen en su obra reciente.

Lubián es escultor, no por ello en su ideación previa trabaja sin parar, elabora dibujos, lleva la idea a lienzo para jugar con el color -esto no se puede hacer sobre la madera…- me comenta Manuel, hace estudios previos en cartón y también en madera, sin ninguna pereza, de hecho, una de las peculiaridades de la obra de este artista incansable es la talla de sus obras en ambas caras, en el anverso y reverso, incluso las de gran formato, como si fuese tan fácil un proceso que sería tan arduo para los demás, pero no para él, y todo esto es porque Lubián lo vive con ilusión y pasión, poniendo toda su imaginación y todo su empeño, esfuerzo y corazón.

De Madera y Color

Esto me dice Manuel Lubián, con respecto a esta exposición:

“Estoy nervioso, me gusta controlar las cosas…pero como dice Antonio Gala ( Nosotros somos la vida… no la vida es nuestra.) la vida es risa, tristeza, sorpresas.. es una rueda….que te invita a tomar ciertos riesgos… eso es la vida y forma parte de ella. No hay nada más bonito que la risa… y hasta una lágrima que los científicos dicen que se compone de agua y sal, tiene otro componente que no se ve, y que podríamos llamar amor, sentimientos….. y estamos nerviosos, pero la suerte, como dice el dicho, sonríe a los audaces….”

Carmen Jiménez Jiménez

Gestora Cultural y Comisaria de Exposiciones

De Madera y Color

Catálogo de la Exposición

Cuántica Rafael Peñalver

Cuántica

Enero – Febrero 2022

Cuántica

Cauntica Rafael Peñalver Andrés

"La luz en la naturaleza crea movimiento en el color. El movimiento lo proporcionan las relaciones de medidas desiguales, de contraste de colores entre las mismas y constituyen la realidad"

Cuántica Rafael Peñalver

Fue el abogado y economista ruso Kandisnky, quien le puso nombre y apellido al movimiento que tuvo por característica general representar las experiencias visuales basándose en la forma, color y línea como elemento de expresión.

Los principios y fundamentos del “Arte Abstracto” o “No Figurativo” son crear una nueva plástica que suprimiera la forma natural, por contraria a la propia expresión del Arte, y que liberara a éste de las tradiciones, los fundamentos y los privilegios del individualismo, que se oponen a su realización.

Según Wassily Kandinsky se le puede dar tres puntos de vista: “impresiones, improvisaciones y composiciones”. Las “Impresiones” son el resultado de la impresión directa de la naturaleza externa; “las improvisaciones” son expresiones, según Kandinsky, principalmente inconscientes, generalmente repentinas, de procesos de carácter muy interno, es decir, impresiones de la naturaleza interna; “las composiciones” son expresiones de tipo parecido, pero que se crean con lentitud extraordinaria y que son analizadas y trabajas larga y pedantemente después del primer esbozo. Todo esto ayudado por: la razón, la conciencia, la intención y la finalidad.

Cuántica Rafael Peñalver

La evolución del Arte Abstracto se puede resumir en dos fases. La primera comprendida entre 1910 y 1916 denominada “Antinaturalista” que surgió con la acuarela de Kandinsky y la publicación de su libro “Lo espiritual del Arte”. Esta fase está definida mas que todo por sus improvisaciones y composiciones donde no eran necesarias ni la descripción de objetos, ni la objetividad. Eran más que suficientes sólo manchas de colores vibrantes que hicieran de una pintura sin ningún tema definido, ni sentido, resultando una belleza indescriptible e incandescente.

Si tuviésemos que encontrar una razón común que justificara ese abandono completo del tema natural, podríamos aceptar lo que dijo en 1913 el artista checo Frantisek Kupka (1871-1957), uno de los primeros cultivadores de la abstracción: «El hombre crea la exteriorización de su pensamiento por medio de la palabra. ¿Por qué no habría de poder crear en pintura y en escultura con independencia de las formas y de los colores que lo rodean?»

El arte abstracto no evolucionó aisladamente, sino que fue sólo un aspecto de la conmoción social, intelectual y tecnológica que tuvo lugar a fines de siglo. La ciencia ayudó a crear percepciones del mundo muy diferentes (desde el microscopio hasta los rayos X). Léger escribía en 1914: “Si la expresión pictórica ha cambiado es porque la vida moderna lo hizo necesario”.

Además de con la forma, en el arte abstracto también se experimentó con el color ya que podía sugerir movimientos dinámicos cuando estaba liberado de función representativa. Delaunay tras el contraste simultaneo de colores, extendió el sentido científico para sugerir que el color podía ser la manera principal por medio de la cual se pudiera crear pintura abstracta no sólo la forma, sino también la ilusión de movimiento.

Cuántica Rafael Peñalver

“La luz en la naturaleza crea movimiento en el color. El movimiento lo proporcionan las relaciones de medidas desiguales, de contraste de colores entre las mismas y constituyen la realidad». El futurismo italiano también se percató de la importancia del color. Carra y Severini suscribían: “Defendemos un uso del color libre de la imitación de objetos y cosas como imágenes coloreadas; defendemos una visión aérea en la cual la materia del color se expresa en todas la múltiples posibilidades que nuestra subjetividad puede crear”.

Hacia 1939, la abstracción se había establecido como una tradición alternativa en pintura y escultura, pero no había conseguido llegar a un público más amplio. En las décadas de después de la II Guerra Mundial, surgió un modelo diferente. A medida que pasaban los años el abstracto se legitimaba, pero también se fragmentaba en muchos estilos distintos, como el expresionismo abstracto o el informalismo, y conceptualmente se apoyaba en diversas intenciones artísticas: místicas, liberadoras del subconsciente, analíticas y experimentales.

Cuántica Rafael Peñalver

El arte abstracto, al formularse únicamente en términos plásticos, ha ayudado a comprender la forma por encima de cualquier otra valoración, enseñándonos que una composición no es buena o mala en función del tema, sino en función de la perfecta adecuación plástica al contenido. El arte abstracto consigue el máximo de depuración pictórica al formularnos ideas a través de formas puramente plásticas. Hay que huir, pues, de la experimentación de un placer estético en función de si el tema coincide o no con nuestro gusto. Un primer estadio de placer estético sensorial tiene muy en cuenta este gusto y se expresa en términos de aceptación o rechazo; en cambio, en un segundo momento, el de placer estático intelectual, se consigue una valoración mucho más enriquecedora y verdadera.

Cuántica Rafael Peñalver

Mi obra abstracta está enraizada en esta tradición y es deudora de las aportaciones de las primeras vanguardias pictóricas, incluida el expresionismo abstracto nacido entre Nueva York y los Angeles de California, pero también de las generaciones que en Europa se desentendieron de la figura como medio de expresión más libre respecto a la literatura que conlleva cualquier pintura figurativa.

Cada una de mis series nacen como consecuencia de planteamientos filosóficos abstractos, como la contingencia y el sentido del tiempo, siendo parte del conocimiento científico del momento histórico que vivo, en este caso me refiero a la física cuántica. Todo ello sin tratar de ser un mero retrato literario de la realidad física, sino como un modo de vivirla interiormente, cuyo modo de expresarlo transciende lo literario. Otras hacen referencia a las realidades sociales derivadas de las nuevas tecnologías de la información y de las redes sociales, donde la velocidad de los mensajes impiden el establecimiento de un discurso basado en un conocimiento social o político verdaderamente científico.

Rafael Peñalver

Cuántica Rafael Peñalver

Catálogo de la Exposición

No debí ser artista, así hubiera evitado muchos disgustos a mis padres. Todo lo habían proyectado, bachiller de ciencias incluido, para ser ingeniero. Pero como decía mi abuela Basilia “Dios escribe recto con renglónes torcidos”. Ella tuvo, en buena medida, culpa en el descalabro. Aún recuerdo la portaría en la calle Doctor Fourquet en la que vivió buena parte de su vida. Desde allí, cada fin de semana, aquella emigrante conquense, madre de mi madre, analfabeta, solo sabía leer las letras góticas de su misal, pobre como los campesinos pobres, me llevaba al Jardín Botánico, para terminar la ronda viendo los “santos” del Museo del Prado. ¡Cómo amaba aquellas pinturas!. Sobre todas las del Greco, el “Cardenal” de Rafael Sancio, y los  “tiotes” del “Jardín de las Delicias”.

            Mi madre, como tantas otras madres en aquellos años, estuvo sirviendo en la casa de quién terminó siendo mi padrino, Don Francisco Torrealba, juez y monárquico, hombre liberal que estuvo desterrado por antifranquista.

            Mi padrino, el “rico” de la familia, era expléndido, sobre todo el día de Reyes. Cuando aprobé cuarto y reválida, tenía entonces 14 años, decidió que había llegado a la edad en que debía aficionarme a la lectura. Me obsequió con una hermosa colección de cromos de Nestlé, que aún conservo, con sus respectivos álbunes, y textos explicativos.¡Allí estaban los “santos” de mi abuela!, y los retratos de los autores: Velázquez, Rubens, Murillo, Greco, Ticiano, Sancio…

            renglónes torcidos que fueron enderezando mi conciencia y mi sensibilidad. Niño apocado, buen estudiante en un colegio excesivamente caro para mi familia. ¡Qué difícil adaptarme en aquel ambiente excesivamente rígido! y sin embargo ¡qué gran profesor el señor Morataya!. He de agradecer a aquel bachiller de ciencias que tan gran honor hizo a la literatura, al latín, a la filosofía y al arte, no perder el hilo conductor de una formación integral hoy desconocida. De aquella generación conservo amistad con quienes entendimos que no existe muro alguno entre las ciencias y las humanidades. A aquella educación se le unió el paisaje y la luz de Cuenca, donde pasaba los veranos. Allí conocí a Lillo, a Carlos Perez, a Muro, a Burguillos…. tiempo después, convencido por por Gustavo Torner y Gerardo Rueda, también conquenses, llegó Fernando Zobel, y con él el Museo de Arte Abstracto de las Casas Colgadas. ¡Qué ciudad!, recuerdo con placer aquellos estíos en los que en torno a unas cervezas, en la plaza Mayor, discutíamos dos generaciones sobre las vanguardias americanas y europeas, sobre abstracción y figuración, sobre arte conceptual, o sobre qué acción realizar para aquellos, ya lejanos, “Encuentros de Pamplona”.

            Como ya indiqué, decidido a ser artista ingresé en la Escuela de Telecomunicaciones de la Universidad Complutense de Madrid, estudios que compartí con los de la Facultad de Ciencias Físicas, y los cursos de lógica matemática del Centro de Cálculo.

            Sobrado de tiempo, supongo,y falto de medios económicos, alterné estas actividades con el trabajo en el laboratorio de investigación de la empresa Amper, y la práctica del atletismo, como corredor de fondo, en el club de atletismo del Real Madrid.

            Como tantos otros jóvenes redondeé mis actividades con la militancia política contra la dictadura, las idas y venidas a París, aún con los rescoldos de Mayo’68 y la lectura de cuantos textos y catálogos pasaban por mis manos. De aquellos años tengo recuerdos que me sobrecogen por su intensidad: mi primer estudio en Leganés, donde a falta de luz daba las últimas pinceladas gracias al luminoso de una gasolinera cercana; la contemplación de las obras de Matisse, Monet, Kichner, Van Gogh, Picasso, pero también Malevitch, Moholy-Nagy, Pollock, Kline, de Kooning…

            A esta coctelera se le añadió Blaise Cendrars, Bretón, Soupault, Zàra, Poeta en Nueva York, Roling Stones, Doors…

            Todo estaba dispuesto para introducirme en una nueva sensibilidad, tan solo faltaba un leve estímulo, que llegó del modo más absurdo. Cierta tarde encontrándome sin cola para preparar el lienzo, asomado al balcón del estudio, viva idiosincrasia de este país, ví en la calle, aún sin urbanizar, restos de todas clases: viejos muebles, plásticos, ladrillos, clavos, maletas…

No hubo más, junto con mi compañero de estudio subimos cuanta chatarra nos fue posible. Dos horas después, alli estaba el “engendro”, extraño y atractivo. De algún modo que no acertábamos a entender, aquel objeto expresaba con mayor intensidad que las obras realizadas anteriormente, la desazón, rabia, lucha, y voluntad de nuestras vidas.

            Hoy al tratar de recomponer la cantidad de influencias que confluyeron para determinar la estética del deshecho en que me ví envuelto,¡tan alejada del discurso cultural español de los 70!, he de reconocer que le debo más a mi conciencia social y política que a una epistemología de las vanguardias. Fueron los acontecimiento de Mayo’68, la revueltas estudiantiles del mismo año en Italia, la primavera de Praga, los hechos que pusieron en solfa nuestros arquetipos. A partir de la crítica de estos hechos pude ir racionalizando los aconteciminentos estéticos en los que estábamos envueltos un reducido número de artistas en España. De este modo comencé a considerar algunos de los movimientos culturales, como el mismo surrealismo, desde un punto de vista menos optimista. Recuerdo, en concreto, alguna conversación sobre la Internacional Situacionista en casa de Pancho Ortuño.

            Los distintos viajes que realicé a Alemania, Italia, Paises Bajos, Francia… fueron reafirmando mi discurso estético al tomar contacto con el Arte Povera, o con las obras de artistas como Christo, Kleim, Spoerri, Oppenheim, Dibbets, Merz etc.

            De este modo se fueron devaluando, a mi parecer, eventos como la Bienal de Venecia, y tomaron mayor interés otros como la Documenta de Kassel, en concreto la de 1972.

            Nuevas contradicciones, nuevas teorías, y nuevas praxis, que chocaban radicalmente con el discurso estético español de aquellos años en España. Donde tan solo en algunos cenáculos de Barcelona se podía aspirar a ser entendido o aceptado.

            Mi obra que hasta entonces fue fundamentalmente figurativa, apenas rozó la abstracción cuando mi horizonte conceptual y estético sufrió un giro de 180º.

            Realicé mi primera exposición en el año 1972, tuvo lugar en Cuenca, apadrinada por Fernando Zobel. Carlos Perez, Lillo, Rafael Rodrigo y yo mostramos obras muy diferentes. Aquella exposición fue el fiel reflejo de las contradicciones antes mencionadas. Entre las piezas que expuse llamó la atención aquella que marcó mi desarrollo posterior. Esta consistía en un lienzo de gran formato en el que pegué las conocidas bolsas de plástico negro para almacenar la basura, tal y como estaban empaquetadas, perfectamente planchadas. Se sobreponían unas a otras, de modo que daba una apariencia constructivista, resaltada por las sombras producidas por la iluminación. Era una obra serena, contenida, realizada con materiales impuros, cuya pronta destrucción a causa de los pegamentos utilizados, que quemaban lentamente el plástico, eran el elemento esencial.

            Como era de suponer no tuvo éxito alguno. Por aquel entonces, en el restringido mundo de los “entendidos” se hablaba de la Nueva Figuración, y de Gordillo. El arte efímero, Póvera etc… no tenía cabida en el contexto cultural. Asumido el reinado de la estética del “Paso” y los matéricos, catalanes o no; la alternativa se fraguaba en el grupo llamado por Juan Antonio Aguirre “Nueva Generación”, en el que se incluían, además del antedicho Gordillo, Alexanco, Yturralde, Barbadillo, Teixidor, Anzo, Lugán, Elena Asins etc.

            En realidad la oferta era una mezcolanza de estilos, desde el constructivismo más normativo, al optical o al pop mas o menos social, es decir casi todo menos el informalismo, y las corrientes más radicales europeas y americanas (Land Art, Body Art, Póvera, y demás). Llama la atención la inclusión, del hoy amigo y admirado artista, Luis Lugan, cuya obra de profunda intensidad, quizás sea la primera en españa y una de las primeras a nivel internacional, que se apoya en la interactividad electrónica. Desde aquí reivindico su nombre denunciando, como en otros muchos casos, el silencio al que se le ha sometido.

            La aparición como estrella internacional del artista irlandés Francis Bacon, con sus personajes deformados, aislados en un campo escénico opresivo, y la llegada de catálogos, noticias aportadas por críticos de arte sobre artistas ya consagrados como Jasper Johns, Rauchemberg, y los pop ingleses y americanos, fueron creando un ambiente que favoreció la aparición de tendencias pop con fuerte contenido de crítica social, como el Equipo Crónica, Equipo Realidad. etc. Hay que enmarcar estos movimientos en la muy distinta realidad socio-política de España respecto del resto de la Europa occidental, la crisis económica y el modelo de estado. Asi las obras de estos artistas y colectivos no solo recogían las teorías estructuralistas de Adorno o Umberto Eco, si no que sus contenidos ideológicos no se agotaban en la utilización de las imágenes como iconos identificables cultural y socialmente, pretendían además una transformación del trabajo creativo, o mejor una identificación del acto creador con las teorías marxistas de valoración de las “fuerzas del trabajo”. Fue curioso como a pesar de toda la parafernalia teórica, más o menos revolucionaria, ocuparon un excelente lugar en el mercado del arte, precisamente apoyados por  un capital que apostaba por la transformación del Estado autárquico en Estado democrático, como alternativa idónea a sus intereses.

            En este contexto no fue fácil ni siquiera exponer las obras quienes trabajábamos con formatos y estéticas no clásicos, y cuya preocupación iba más allá de los contenidos ideológicos aparentes. No tuvimos demasiadas oportunidades, y aunque todos nos movíamos en un ambiente de oposición a la dictadura, entendíamos que los medios y las prácticas artísticos eran parte del devenir de la superestructura ideológica.

            Las obras realizadas en aquellos años las expuse en la galería Atienza, así como en la exposición titulada”En la Ciudad”, que tuvo lugar en la galería Vandrés, ambas hoy desaparecidas. Estas piezas, próximas al arte Povera, consistían en selecciones fotográficas de suelos o paredes, tanto de interiores como de las calles, reconstruidas en la galería físicamente, buscando la creación de ambientes ásperos, desoladores y llenos de sugerencias sobre la realidad de Madrid en los años 70.

            No quiero dar una falsa impresión sobre el papel que estos trabajos tuvieron en el contexto creativo español, la realidad es que pasaron desapercibidos; ya que si el círculo de galerías, críticos e historiadores de arte, artistas y demás personajes ligados al mundo de la creatividad, era mínimo, se le unía el hecho de ser un ambiente muy exclusivista; donde creadores como mi caso no procedentes del ambiente académico de las artes, y desconocedores de los mecanismos de valoración, aunque pudimos levemente exponer nuestras obras, no conseguimos un lugar entre los textos y exposiciones organizadas por quienes tenían el poder de dar valor socio-cultural a las mismas.

            Además. para desgracia de quienes vivíamos en Madrid, fue en Cataluña donde cuajó con más intensidad el debate sobre los discursos estéticos, y las praxis, que aportaban los últimos movimientos internacionales. La Mostra d’Art Jove de Granollers, y otras posteriores, en las que se apostaba por un arte que reivindicaba otros formatos, otros materiales, y en definitiva otros modos de expresión, deudores de los ready-made de Duchamp, de la escenificaciones de los artistas procedentes del Surrealismo etc… daban buena medida de la mayor sensibilidad de los cenáculos intelectuales de Cataluña respecto del resto de España. Si en la capital existió alguna actividad, esta se debió exclusivamente a artistas concretos, ya que no existía ni la infraestructura comercial, expositiva, ni el debate ideológico apropiados para su desarrollo de un modo estructurado.

            Paralelamente a estas acciones surgió la necesidad de tener una referncia visual permanente de ellas, así fue como decidí filmarlas mediante el llamado “super 8”, que no era mas que el medio familiar, que la industria ofrecía, de recoger escenas mas o menos íntimas. Este medio fue el único medio económico que nos permitía dotar nuestras acciones de un nuevo contenido, fuera ya de un tiempo y lugar precisos. Aunque en España, excepto algún caso puntual, como Muntadas, la utilización de la imagen en movimiento, no sujeta a las convenciones del arte cinematográfico, llamada popularmente video-arte, no estaba desarrollada.  El vídeo nació en los ños cincuenta como una alternativa al apogeo de la televisión y a su hegemonía comunicativa. La empresa americana Ampex Corporation desarrolló un prototipo de grabadoras de videocintas, que en su posterior desarrollo tecnológico permitió a la misma TV emitir programas en diferido, con una calidad aceptable. Mas tarde, gracias a su versatilidad, autonomía y bajos costes de producción, irrumpió definitivamente en los medios de comunicación audiovisuales, para pasar, casi inmediatamente a ser parte de la industria del ocio mediante la puesta en el mercado de los reproductores magnetoscópicos. Su uso internacional, en Europa, se hace visible gracias al grupo Fluxus, en el que participaba Wolf Vostell, con el que tuve relación como consecuencia de la apertura de su museo en la localidad de Malpartida (Cáceres), así como, siendo director de exposiciones en el Ayuntamiento de Madrid, colaborador en la exposición titulada Fuera de Formato, cuyos comisarios fueron mi queridos amigos Concha Jerez y el ya fallecido Nacho Criado. Su uso, como medio creativo, en España, muy ligado a los conceptos teóricos de Román Gubern, se inicia  en los años 70, con los trabajos de Angel Jové, Silvia Gubern, Jordi Gali, Antonio Llena y el antes mencionado Antoni Muntadas. Próximos a este medio se desarrollaron las creaciones de otro grupo de compañeros artístas como son Eugenia Valcels, Carles Pujolls y Concha Jerez, entre otros.

            Momento excepcional, en nuestra península, lo marcan el VII Encuentro Internacional de Vídeo, celebrado en la Fundación Miró de Barcelona (organizado por el CAYC de Buenos Aires) y las Sesiones Informativas del Colegio de Arquitectos de Cataluña, en la misma ciudad. A partir de esos años 77/78 el video-arte aparece, en España, como un nuevo recurso que se suma a la creación alternativa (body-art, land-art, hapennigs, proces-art, etc). Mi relación con este medio se iniciaría algo mas tarde con la tecnología digital, al margen de las cintas que recogieron los actos realizados en el contexto de la ciudad.

            Sin embargo, lo que cristalizaba en aquellos años, como indiqué anteriormente, era la enésima vuelta a la figuración. Encabezada por Gordillo, y mi buen amigo Rafael Perez Minguez ( ya fallecido), del que aún hoy existen escasas referencias, a causa de su temprana desaparición de la escena artística, y eclipsado por los emergentes Villalta, Carlos Franco, Alcolea, Chema Cobo… Se estaba configurando un nuevo modelo ideológico de la praxis artística, en sustitución de aquellos ligados, directa o indirectamente, a la izquierda e identificados con las corrientes internacionales alternativas a los modelos clásicos de las llamadas bellas artes. La concepción gransciana del intelectual estaba en decadencia, como consecuencia de la crisis ideológica de la izquierda, provocada por el fracaso de la construcción del estado marxista en los paises del llamado “socialismo real” . Prueba de ello fue la asunción de la ideología neo-liberal de muchos intelectuales que militaron en partidos marxistas, fundamentalmente en el PCE. La descomposición del régimen franquista, la apuesta del capital por una transición pacífica al modelo de estado democrático, pactada con los partidos, los sindicatos y los movimientos nacionalistas (aún ilegales), configuraba un ambiente donde cada quién tomaba posiciones en vísperas a un futuro donde el mercado iba a ser el elemento que depurase las concepciones estéticas y los artistas llamados a ocupar un lugar preeminente. Además a partir de 1970 todo se aceleró, los happenings y el body art se fueron convirtiendo, en sus aspectos más amables, en pequeñas reuniones de entendidos y amigos, y en su aspecto más radical, en verdaderas orgías de sangre. El land art se alejaba cada vez más de la realidad que quería reflejar, y el arte conceptual no hacía más que preguntarse sobre el objeto del arte. ¿Existía alguna vanguardia?. Verdaderamente era cuestionable el rumbo que tomaban los acontecimientos creativos. El arte en definitiva eran aquellos hechos, actitudes, objetos o pensamientos que los museos, las galerías, los críticos, las revistas, y cualquier medio con influencia en la sociedad decían que era arte.

Hoy recuerdo aquellos confusos y esperanzadores dias, así como a los compañeros de debates, a Muntadas, Luis Muro, Nacho Criado,Tino Calabuig, Concha Jerez, Lugan, Pablo Perez Minguez, Paz Muro, Isidoro Valcarcel…sin olvidarme de la figura integradora, por su personalidad intelectual, de Simón Marchan, cuyo libro “Del Arte Objetual al Arte de Cocepto” fue para nosotros un fuerte apoyo teórico. Próximo a estos ambientes se encontraba también Juan Manuel Bonet, que por aquel entonces ejercía de crítico de arte, aunque siempre estuvo más interesado por el devenir pictórico que se avecinaba.

            Entre 1975 y 1978 las convulsiones políticas, la transformación del modelo de estado, la reivindicaciones nacionalistas… eclipsaron los cambios que se estaban produciendo en la esfera cultural española. El cuestionamiento de las interpretaciones excesivamente estructuralistas del devenir de las vanguardias históricas, que terminaron por producir un colapso creativo, provocó una nueva reflexión sobre las mismas, en los casos más consecuentes, y la aparición de todo tipo de oportunistas.

            Como siempre, los movimientos artísticos que intentaron superar esta situación, y las teorías que los sustentaban, debido a la anorexia intelectual española,vinieron de fuera. En esta ocasión de la llamada Nueva Abstracción y el movimiento Supports-Surface, cuyo teórico más conocido era Marcelin Pleynet. En realidad se estaba fraguando una vuelta a los soportes tradicionales, intentando devolver el supuesto prestigio perdido, que no fue tal, a la pintura, desde una nueva perspectiva teórica. Y aunque volvieron a reivindicarse artistas como Rothko, Newman, o Reinhart, en realidad se trataba de devolver la primacía de lo artístico a los modelos clásicos. Pero los unilaterales planteamientos teóricos, sobre todo en la manifestación de las contradicciones esenciales que implica la práctica de la pintura, respecto a su evolución desde principios del siglo XX, y a las vanguardias rupturistas del mismo siglo, imposibilitó una nueva lectura crítica que rompiese el modo de entender cada periodo y cada movimiento como una evolución siempre positiva.

            La puesta de largo de la pintura venía siendo preparada, como si fuera un descubrimiento reciente, por un núcleo de críticos y pintores que se ofrecían como alternativa al desconcierto, y a un mercado emergente de coleccionistas, museos de comunidades autónomas, museos provinciales, fundaciones de empresas etc, ávidos de distinguirse culturalmente como elementos rupturista con el pasado y necesarios de en un nuevo devenir  . Una pléyade de nuevos críticos, nuevas o recicladas galerías, curadores etc. fueron tendiendo una estrategia de tela de araña, ocupando lugares claves en la prensa, en las revistas especializadas, en los programas de TV… de tal modo que en connivencia con los artistas participantes en el “pastel”, borraron la historia reciente, elidiendo a quienes con igual mérito debieron estar presentes.

            1975 fue para mi un año de ruptura. La asimilación más radical de las propuestas del arte conceptual expresada en la formula: “ la idea es la obra ”, me condujo a un callejón sin salida. Hube de recomponer mi propio devenir, recuperando la obra de aquellos artistas que fueron claves en mis inicios. Así me inicié en la abstracción primero. los expresionistas abstractos americanos, y en concreto de kooning,motherwell, kline o Joan mitchel, sus obras fueron claves para reconciliarme con la pintura. Agotada esta etapa fueron los expresionistas  centroeuropeos : Kirchner, Schmidt-Rottluff, Nolde… quines determinaron mi evolución pictórica. Consecuencia de este proceso fue mi vuelta a lo táctil, a una pintura nada contenida, deudora de la abstracción más subjetiva, y de los paisajes mas rutilantes del Vlaminck fauve. asi me inicié en una figuración de corte mas expresionista, mediante la seriación de obras que partiendo del cuadro “ el Rapto de las Hijas de Leucipo ” de Rubens, fueron dando rienda suelta a los valores de una pintura rabiosamente romántica. Esta obra fue expuesta en la Galería Termino de Madrid,y Artheme-internacional en francia

            Mientras tanto, asistía atónito a los acontecimientos que se estaban produciendo en el ámbito de la cultura en España. En el año 79, en la galería de arte Juana Mordó, bajo el padrinazgo de Juan Manuel Bonet, Angel Gonzalez y Francisco Rivas, se inaugura la exposición titulada “ 1980 “, que supone la presentación en sociedad de la selección de los futuros valores. El texto del catálogo no pudo ser más beligerante. Por un lado se descalificaba indiscriminadamente los movimientos herederos de Duchamp, del minimal art, del video art, el conceptual…, por otro se discriminaban a aquellos artistas que se habían mantenido fieles al uso de la pintura, que no fueran los por ellos seleccionados. Nadie duda hoy que aquella polémica exposición consiguió los objetivos marcados, que no eran otros que la obtención de la publicidad suficiente para orientar, como antedije, el mercado, y sustituir a los poderes fácticos que dirigieron durante la dictadura la promoción y valoración de  tendencias y artistas en España. Alli estaban representados algunos de los pintores del grupo Nueva Generación, asi bautizada por Juan Antonio Aguirre, los acólitos de Gordillo, la llamada Figuración Madrileña, neo-fauves, y abstractos líricos.

            En aquel momento mi obra, ya enmarcada en una estética abiertamente expresionista, no encajaba en el momento social de la España feliz, con su recién estrenada democracia. Tampoco se hizo demasiado caso a las tendencias internacionales que apuntaban en otra dirección bien distinta, como más tarde se comprobó con la llegada de los neo-expresionistas centroeuropeos, y la transvanguardia italiana.

            Por razones que ni yo mismo acierto a comprender, siendo alcalde de Madrid Enrique Tierno Galván, el entonces concejal de cultura Enrique Moral, me encargó la dirección de exposiciones del Centro Cultural de la Villa de Madrid, que junto con el Museo Municipal fueron instituciones que ayudaron a crear una idea de ciudad que hoy añoro. Esta oportunidad, que por un lado fue enriquecedora, en cuanto que me permitió vivir y ayudar a dinamizar el ambiente cultural madrileño, visitar infinidad de estudios, conocer de cerca los movimientos culturales internacionales, ser en definitiva parte activa de cuanto acontecía, desde el otro lado de la barrera; fue perjudicial para mi obra, ya que por motivos éticos decidí no ser arte y parte en aquellos eventos que a la postre seleccionaron a quienes hoy gozan del reconocimiento del mercado, de la crítica, de los museos etc. De todos modos no me arrepiento.

            Actualmente se habla sobre la frivolidad de los 80, pero quizás no haya habido para Madrid una década tan efervescente de creatividad y reconocimiento internacional, que se debió a un cierto espíritu de consenso entre aquellos que dirigíamos centros difusores, permitiendo el contraste de opiniones por muy diferentes que fuesen. Exposiciones como Atlantica, En el Centro, Individualidades, Fuera de Formato,Bienal, Arte Alemán Contemporáneo, Madrid Madrid Madrid…, por citar solo algunas, permitieron conocer las obra de sucesivas generaciones, y gran disparidad de movimientos, que no voy a enumerar ya que existe suficiente documentación que asi lo atestigua, aunque pocos lo recuerden.

            Durante el tiempo que ocupé dicho cargo terminé la serie del “Rapto…”, que como antedije expuse en la galería Termino, que se complementó con las  exposiciones de los paisajes realizadas en la Casa de Velázquez, en Arco, y en la galería francesa Artheme- Internacional, asi como en Imagen Gráfica.

            Mientras los nuevos valores causaban furor tanto en Madrid como en la periferia, desembarcó Bonito Oliva con la Transvanguardia, y toda una flota de comisarios centroeuropeos con sus neo-expresionistas. Con todo el transfondo comercial que dichos movimientos tuvieron, no puede negarse que el entramado teórico y práctico en el que se sustentaban era digno de atención. Además la parafernalia propagandística, y los intereses creados, consiguieron ocupar el espacio al que aspiraban los artistas españoles en el contexto internacional. A casi todos les cogió con el paso cambiado, mientras se miraban el ombligo no supieron leer en la obra última de Philip Guston, por poner un ejemplo.

            Valga como ejemplo de lo antedicho que en la Documenta de Kassel, excepto Miquel Barceló, que a la postre, con su rabioso expresionismo, se encaramó al primer puesto del arte español exportable, la atención a las demás tendencias brilló por su ausencia.

            Estos hechos, asi como la falta de inversión, de teóricos y organizadores de exposiciones verdaderamente aportadores de puntos de vista originales, de la falta de sensibilidad de los poderes públicos, y el provincianismo que siempre nos ha caracterizado, hicieron declinar la estrella de Madrid, y con ella el interés internacional por el arte español.

            Por mi parte he de admitir que, a pesar de algunas críticas favorables y de las exposiciones realizadas, mi obra no ha sido parte importante del concierto nacional. Alguna beca, algunas reseñas, algún reconocimiento de los artistas y poco más.

            Quienes han insistido desde los postulados de la post-modernidad, de modo interesado, en la indefinición de los límites de las ideas o de las categorías sociales, en realidad forman parte del aparato ideológico de la “Nueva Derecha” ultraliberal, que ante el desarme e indefinición ideológica de los partidos de izquierda, y de los nuevos movimientos progresistas, apuestan por vaciar de contenido las praxis artísticas, desdibujando el nexo entre el creador, la sociedad y el tiempo en el que se desarrolla la acción. Asi los artistas y las tendencias predominantes en España fueron perdiendo contenidos cuanto más se introducían en los mercados. Fue un tiempo de aislamiento. los artistas de vuelta a sus estudios, artistas interesados de cuanto acontecía en la sociedad, fueron perdiendo el poco protagonismo que tuvieron, para convertirse en comparsas de curadores, críticos, y demás poderes del mercado.

            En 1989 cambié de estudio, pues el que hasta entonces tuve, llamado La Nave, que compartimos Enrique y Manolo Quejido, Nacho Ordás, Pepe León, Juan Correa y Antonio Maya, se me quedó pequeño. Nuevo estudio, nueva serie, y vuelta a la abstracción. Deseaba atrapar las formas distintas en que percibimos el tiempo, hacerlo visible, materializarlo. Llenaba de pintura los lienzos, sin importar otra cosa que cubrir la totalidad de la tela, solo importaba la acción, el instante, porque de inmediato, antes de que se secasen los pigmentos tapaba con papel parte de lo realizado, y comenzaba de nuevo la acción. De este modo trabajaba a ciegas, tal y como avanzamos hacia nuestro futuro. Asi una y otra vez. Finalizado el acto, al retirar los papeles con que fui sucesivamente tapando el lienzo, aparecían, como puertas al pasado, las anteriores fases del cuadro. Estas obras fueron expuestas en la galería Luis Adelantado de Valencia, asi como en Artheme Internacional en Burdeos y Aviñón. Desgraciadamente no pude presentarlas en Madrid al no tener en aquellos dias, ni marchante ni galería fija en España.

            Coincidiendo con un nuevo cambio de estudio dí por terminada la serie antedicha. Siempre temo el momento en el que sientes que el trabajo está agotado, que la obra comienza a ser una reproducción mecánica cuya imagen primigenia se convierte en un arcano. Y aunque las constantes subyacentes del pensamiento, del carácter, de nuestro modo de ser y entender, terminan aflorando, el problema del estilo, del modo y el medio de expresión, deviene en problema esencial.

            Como he anticipado, buscando una solución definitiva al problema del estudio y del almacén de las obras, hallé al sur de Soria, cercano al yacimiento arqueológico de Tiermes, el lugar idóneo. La soledad  de estos paisajes, la belleza de la media montaña, a los piés de la Sierra de Ayllón, la riqueza de la fauna salvaje, fueron claves para recuperar el instinto creativo. Desde la distancia se observa con mayor lucidez la creciente desideologización, la desvertebración de la sociedad, la descomposición de la política, la globalización de la economía, el avance del pensamiento único. No he podido asistir silencioso al pudrimiento social del final del siglo XX y del comienzo del XXI.

            Las causas que han motivado mi obra actual no solo tienen un condicionante socio-político, pues con ser este importante, no agota, ni resuelve los factores de renovación que afectan intrínsicamente a la esfera del arte. Los modelos de expresión están unidos a las condiciones culturales, sociales y científico-técnicas del tiempo en el que se desarrollan, por lo que mi obra a partir de finales de los 80 proviene, no solo de un posicionamiento ante la realidad en la que habito, pues no ha sido un acto de la voluntad, si no de un sentimiento de humillación, del rechazo a la distorsión de los valores humanos que ejerce esta sociedad, hasta someterlos a las únicas condiciones del mercado: competitividad y competitividad, como valor superior.

            He de reconocer la deuda contraída con Hartfiel y Josep Renau. Sus fotomontajes siempre me inquietaron, siempre han estado danzando en mi cabeza como un tesoro guardado en el subconsciente. A finales de los 80, como antedije, ya se podía disponer de ordenadores personales, que aunque muy limitados, me permitieron trabajar con imágenes digitalizadas mediante scaner y tratadas posteriormente con programas que posibilitaban una variedad de tratamientos de muy difícil proceso mediante la fotografía. A su vez era el medio ideal para producir imágenes gráficas en movimiento. La progresión geométrica experimentada por estas modernas herramientas, así como de los programas de tratamiento de imágenes, e interactivos, han posibilitado cambiar la estructura de mi trabajo, permitiendome añadir el tiempo, la música, o la interactividad, como nuevas variables creativas.

            Pero lo que ha transformado radicalmente el panorama de la creatividad mediante la imagen, de la difusión de las obras, de la comunicación con toda una multiplicidad de culturas y sociedades, ha sido la red Internet. Como en otros tantos instantes cruciales para la creatividad en España, la falta de tradición de modernidad ha impedido conocer donde están los factores de la renovación, tanto respecto a la creatividad, como al mercado y a la difusión. Muchos de los movimientos culturales, desde la década de los 60, han estado ligados al desarrollo de la nuevas tecnologías. Así lo recoge Merry Sterling, hablando de los estudiantes universitarios de aquellos años en EE.UU : “…su vida cotidiana oscilaba entre una correcta programación de ordenadores, vestidos con traje y corbata, y sus actuaciones con los Plankters, durante las cuales lucían unas chaquetas psicodélicas hechas a mano, adornadas con cintas, chapas, espejos, y chismes de plástico”. Hay toda una historia de activistas culturales, desde los ciberhippies a los ciberpunk, que nos han pasado por encima sin enterarnos. Hoy sin embargo, aunque la cultura “oficial” ( véase museos, revistas especializadas, galerías de arte …) aún no han asimilado los cambios que se han producido, los intercambios en la red, la formación de  colectivos digitales agrupados en distintas páginas web etc. muestran un nuevo panorama creativo en el que estoy integrado.

            Asi en el año 2.000, siendo asesor de arte de uno de los centros de Apple  Computer de Madrid, realicé unos encuentros sobre los programas de distintas compañías que eran ya iconos para el trabajo digital en el entorno del arte. Tuvieron lugar en el Centro de Arte Cuartel del Conde Duque, siendo su director Juan Carrete, y en el 2001,  junto con el ya fallecido José Luis Brea, organizamos el estand del Ayuntamiento de Madrid en la feria de arte de Madrid ARCO. Por primera vez una institución daba carta de naturaleza, en España, a la creatividad realizada exclusivamente para internet (net.art).

            Parte de mi obra actual está basada en el uso de estos elementos, en los que tomando imágenes digitalizadas, bien mediante el video, de la TV, de la publicidad, me permito la licencia de desguazarlos ideológicamente, con el fin de aflorar la perversión de la imágenes y lenguajes subliminales que trascienden a su apariencia. Con estos materiales, y gracias a las composiciones musicales de mi hijo Isak, realizo films de corta duración, cuyos soportes son discos CD, DVD,memorias USB y que pueden reproducirse para ser contemplados mediante proyección digital, en ordenador, en TV, o a través de la red, en diversas plataformas como YouTube. Pero el hecho que permite una transformación sustancial es la desmaterialización de la creación artística y su posibilidad de ofrecerla al “mundo” a través de internet. gracias e estas realidades se ha abierto un mercado que siempre debió pertenecer a la creatividad y no solo a la técnica, me refiero al diseño de páginas web, video-clips, etc.

            En este contexto se ponen en entredicho muchas de las reivindicaciones que tanto defendimos, entre otras los llamados “derechos de autor”, el “uno por ciento cultural”… Hoy, a causa del fenómeno que hemos dado en llamar “globalización”, muchas de las actividades económicas, y entre ellas las artísticas se mantienen gracias a la cultura de la subvención y el mecenazgo. Este hecho está marcando profundamente las relaciones de producción artística, haciendo de los creadores deudores de los poderes políticos y económicos, en una carrera suicida por entrar en la “cinta transportadora”. Hemos de ser conscientes que no hay paredes en el mundo para colgar las obras de interés, que el exceso de información oculta la información útil,  y conduce a una banalización de los contenidos.

            Como indiqué en el prólogo mi formación universitaria no es artística, nunca pisé un aula de la facultad de artes, sino científica. siempre entendí que la formación, llamada en aquellos años de “artes y letras”, podría obtenerla por los libros y la práctica. pero la formación científica no es posible sin las prácticas de laboratorio (de hecho mi primer trabajo -1974- en el laboratorio de la empresa “amper” me permitió participar en el desarrollo de las “memorias electrónicas”). en aquel loco deseo de conocimiento hube de de añadir al tiempo de la formación académica, la práctica pictórica. esta actitud ha marcado mi devenir. por un lado el aprendizaje de la praxis artística ha seguido un camino nada convencional. además mi inserción en la sociedad de artístas ha sido errática y tardía, lo que ha provocado una gran dificultad para integrarme en el mundo expositivo y toda su parafernalia. jamás pensé que me fuera posible vivir del mercado del arte, por lo que no seguí el esquema habitual de presentación a premios y concursos (a los que siempre éticamente me opuse), buscar apoyos críticos o becas etc… solo cuando tuve una obra que a mi buen entender era presentable, busqué y hallé gelarías de arte que la expusieran.

            por otro lado esta dificultad se ha visto compensada por mi temprano conocimiento de la tecnología digital y de las nuevas redes de comunicación. ¡por fin un ordenador personal!.

            nunca he sido proclive a mostrar la marca de las zapatillas que he utilizado, ni de cualquier otro objeto de uso, pero en esta ocasión deseo agradecer a “apple computer” aquella pequeña maravilla de software, ratón incluido, y ¡qué precios!.

            hoy se teoriza sobre el impacto que las nuevas tecnologías, como dicen llamarlas, y de los modelos de comunicación, tienen en la sociedad, y por lo consecuencia en la esfera de la “cultura”. ahora resulta que sin enterarnos, según nos indican los teóricos de la cosa, hemos entrado en la sociedad de la información y el conocimiento.

            respecto a este engañoso título Mario Bunge es contundente al decir, hoy que está tan de moda el tema “sociedad de la información versus sociedad del conocimiento”: Lo importante es el conocimiento, no la información. La información en sí misma no vale nada, hay que descifrarla. Hay que transformar las señales y los mensajes auditivos, visuales o como fueren, en ideas y procesos cerebrales, lo que supone entenderlos y evaluarlos. No basta poseer un cúmulo de información. Es preciso saber si las fuentes de información son puras o contaminadas, si la información como tal es fidedigna, nueva y original, pertinente o impertinente a nuestros intereses, si es verdadera o falsa, si suscita nuevas investigaciones o es tediosa.

            muchos artistas han optado por estas técnicas para construir y sus obras, dando lugar al desarrollo de nuevas contradicciones que no exitieron con las técnicas artísticas anteriores, incluidas las de los llamados “nuevos comportamientos” (land-art, póvera, instalaciones, body-art, conceptual, arte efímero…) ya que al fin y al cabo en todos ellos hay una obra única reconocible, sujeta a las leyes de mercado, incluidas la difusión (galerías de arte, revistas y programas de televisión…)y la valoración de las obras y artistas( museos, premios, grandes eventos internacionales…). sin embargo mediante estas nuevas técnicas y la posibilidad de difusión mediante canales alternativos, como internet, podemos afirmar que la esfera de la creatividad artística se ha globalizado, posibilitando su  democratización.

            además fundamentos clásicos como la dificultad técnica, el conocimiento artesano etc. no tienen lugar, ya que no es preciso, por ejemplo, licenciarse en la facultad de bellas artes para un uso creativo de programas informáticos que permiten ser utilizados para la creación artística; desde la imagen fija a la interactividad.

            ¿a que se ha reducido entonces “lo artístico”?. no es posible una respuesta para quien no entienda que estamos ante una nueva estética, donde conceptos como abstracción/ figuración, lirismo/expresionismo… no tienen cabida, tal y como se entienden en las artes clásicas. la cuestión del ”estilo” no se puede reducir a las concepciones renacentistas. por otro lado la desaparición del concepto de obra única, y en muchos casos la desmaterialización de la obra de arte, ponen en entredicho conceptos como los derechos de autor, la valoración mercantil y la concepción decorativa, que además de primar los contenidos, chocan con las actuales estructuras del mercado del arte.

            no obstante, las antedichas estructuras, no cejan de intentar, y conseguir, llevar las aguas a su cauce  en el sentido literal de “a su cauce”, es decir al cauce de ellos. no deja ser curioso la cantidad de publicaciones, exposiciones, en cuentros internacionales, conferencias o ferias de arte, que tratan de seleccionar, difundir y valorar, según sus particulares criterios, con la intención de parcelar lo identificable como excelencia, para posteriormente asimilar al mercado, a “su cauce” a estos artistas y sus creaciones.

            lejos de toda esta dinámica, mi desarrollo artístico ha necesitado de estos nuevos medios como algo natural. no se puede obviar los nuevos modos de expresión que ofrece el tiempo en que se existe. pasó con el uso del óleo, o con las pinturas industriales.

   estas tecnologías me han dado la posiblidad de utilizar el fotomontaje, la imagen en movimiento, la interactividad y la difusión a través de internet. pero además me ha acercado a la música y a la literatura, como elementos necesarios de la obra. obligándome a integrar ambientes que anteriormente estaban parcelados.

            Por último quiero advertir que no considero contradictorio la utilización de estos medios, con la práctica de los más clásicos, que de hecho compagino. tan solo me permite utilizar la técnica que considero más conveniente, según el caso, para expresarme con mayor idoneidad; de hecho actualmente trabajo en espacios integrales donde el local expositivo es la obra propiamente dicha. son obras, por su propia estructua, efímeras, por cuanto terminado el evento, en el contexto para el que está concebido, aunque persistan los materiales, la obra como conjunto desaparece.         

 

 

 

Exposición I Simposio Internacional Soria.Arte

Exposición

octubre – noviembre

Simposio Internacional de Arte
Soria.Arte

Soria.Arte nace como un encuentro que busca crear un clima propicio para la creación artística, facilitando la comunicación entre artistas plásticos como medio para potenciar la producción de cada uno de ellos y estableciendo un contacto continuado tanto de ideas como de sensibilidades. En esta primera edición, artistas de todas partes de Europa y Latinoamérica se darán cita entre el 30 de septiembre y el 10 de octubre en la Casa de Montenegro del municipio de Almarza, provincia de Soria.

Durante estos días los artistas trabajarán en sus talleres, a los que podrán acercarse visitantes y curiosos, y presenciar cómo poco a poco van creando su obra. Veladas musicales, viajes por la provincia y una gran exposición final en la galería Cortabitarte de Soria completan el programa.

La iniciativa ha sido posible gracias a su director artístico, el pintor Manolo Oyonarte, a la Fundación CVE y a la Galería Cortabitarte. Agradecemos el respaldo de las instituciones públicas que nos han recibido con los brazos abiertos: al Ayuntamiento de Almarza y su alcaldesa, doña Ascensión Pérez Gómez, a la Diputación de Soria, al Ayuntamiento de Soria y a la Decana de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Comienza la cuenta atrás, el equipo organizador pondrá todo su empeño para que sea una experiencia inolvidable.

Artistas participantes y más información sobre el Simposio:

Mosquera de Barnuevo 8
Soria – Spain

+34 975 22 12 00
info@cortabitartegaleria.com

Galería Cortabitarte
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Barcelona en Blanco y Negro y Color

septiembre 2021

Barcelona en blanco y negro
y a color

Joan Bueno

Joan pinta las ciudades, sus calles y pasajes, sus plazas, edificios y locales emblemáticos así como aquellos rincones pintorescos que las identifican, con una vitalidad ilimitada, y su frenética producción resulta casi incalculable y le hace ser conocido allí donde va.

Joan Bueno

En 1932 nace en Barcelona el pintor Joan Bueno Casadesús. A edad muy temprana, realiza sus primeros dibujos. Estudia en L’Escola del Treball, donde en 1949 obtiene el título de Delineante Proyectista.

La evolución de las aptitudes del joven Joan se desarrolla en un ambiente inmejorable. Con quince años, es recomendado para trabajar en el estudio del prestigioso dibujante y decorador Ramon Rigol i Font. Pero a Joan no le interesa el dibujo lineal, a él le fascina la pintura, el dibujo, los pintores impresionistas. A los dieciocho años es admitido en el Fomento de Artes Decorativas de Barcelona, situado en la cúpula del Teatro Coliseum, donde realiza sus primeros dibujos de anatomía humana.

Durante el servicio militar ejerce como profesor de pintura al óleo. Joan comenta: “A mis veinte años, ya estaba siguiendo los pasos de los impresionistas franceses; de amante de la pintura al óleo a profesor de la pintura al óleo. El destino había escogido lo que sería el futuro de mi carrera profesional”.

En 1954 decide trasladarse al Reino Unido, donde recibe clases en la prestigiosa escuela Saint Martin’s School of Art de Londres para cursar, durante dos años, Dibujo Gráfico y Publicidad. Viaja a Rusia y a Suecia, y finalmente se instala en la capital de Islandia, Reykjavik, donde trabaja para el Estudio de Publicidad de Atli Maur. Sin embargo, él necesita sentirse libre para llevar a cabo su arte, y decide recorrer el país en autostop, dibujando en todo momento y llevando a cabo pequeñas exposiciones en los pueblos. Durante estos años, vive gracias a la venta de su obra y descubre su estilo de pintura rápida al aire libre.

No es hasta 1959 que decide regresar a Barcelona, donde trabaja en el mundo de la Publicidad hasta el año 1975, en que amplía su trayectoria profesional iniciándose como profesor de Dibujo y Pintura en la Escuela Municipal de Esplugues del Llobregat, institución de la cual es cofundador junto al director del Instituto Gras Soler. A partir de entonces, compagina este trabajo con el de grafista publicitario. Durante más de veinte años, simultánea su vida profesional sin dejar de crear y llevar a cabo exposiciones.

Joan pinta las ciudades, sus calles y pasajes, sus plazas, edificios y locales emblemáticos así como aquellos rincones pintorescos que las identifican, con una vitalidad ilimitada, y su frenética producción resulta casi incalculable y le hace ser conocido allí donde va. Esta dimensión vital que le caracteriza, ilumina el espectáculo visual que se crea a su alrededor al contemplar al artista en plena ejecución de su arte.

También siente pasión por la figura humana, y a través de esta, su creatividad se desborda para acabar recreando seres de otros mundos que viven en su imaginación, intensamente influenciada por los acontecimientos casi siempre dramáticos que sacuden nuestra sociedad.

Desde 1993 dedica sus vacaciones estivales a llevar a cabo el Camino de Santiago, durante el cual dibuja y escribe en cuadernos sus experiencias y pensamientos como peregrino. Este viaje le ayuda a renovarse y expulsar de su ánimo cualquier aspecto negativo que le afecte. Ningún año, si exceptuamos el nefasto 2020, ha interrumpido esta costumbre, que ha efectuado a través de diversas rutas y que ha ampliado en tiempo desde su jubilación en 1997.

En la actualidad, Joan Bueno Casadesús disfruta de ser miembro de mérito del Real Cercle Artistic de Barcelona.

Rafael Tirado

Joan Bueno

Catálogo de la Exposición

Doors in Colors

abril – mayo

DOORS IN COLORS

Ramón Martínez Buades

Imaginemos que transitamos, con mirada elogiosamente objetiva, en un espacio abstracto
Supongamos que esta exposición es rabiosamente figurativa

Hubo un tiempo en el que Ramón Martínez Buades anduvo por el filo de su historial creativo y, en el que, mirándose hacia adentro, fracturó los cimientos que soportaban los preceptos estéticos de su universo artístico. De aquel episodio hoy queda una obra, que recordamos, articulada con materiales de diversa y desechada procedencia e inusuales connotaciones, una arriesgada propuesta en un espacio reservado al fruto emotivamente extraño, de secuencia efímera e impacto disruptivo, que dejaría su presencia germinal y lo devolvería restablecido al camino en el que su obra gravita equilibradamente, y en el que se materializa la forma y el contenido que definen su esencial compromiso.

Dominio y perfección son los ejes tensionales que rigen y dictan su actividad creativa, con la mirada a raudales expuesta en un horizonte, que comienza cada día, a la vuelta de la esquina en cada calle, y alcanza a convertir en cuidadas tramas, con reglas de irregularidad en proceso ininterrumpido. Recompensa de una frágil entrega que aborda, desde la génesis de su poética, reflejando el resplandor, y las oscuridades de sus ciclos laboriosos, en la superficie de las telas. Hay en estos trabajos un referente literal a la percepción huxleyana, y lo hay, con claridad, a San Juan de la Cruz. En ellos demarca, con precisa autoridad, arquitecturas para racionalizados deambulares, y lo evidencia legitimando una suerte de laberintos quebrados y complejos pentagramas, como anclaje de alegóricos e inaudibles fraseos musicales, que sólo advierten quienes alcanzan a entender los tropismos de su pasión creativa, derroteros que derivan entre el color y el sonido, en melodioso oficio de concordia y fragmentación contenida.

Resultado de una incesante traslación, que acontece entre el espacio de su taller, de escrupulosa y compartimentada fluidez, en el que se desenvuelve atareado el artífice de estas composiciones, y el territorio de experimentación, acotado por el límite que indefectiblemente establecen los márgenes del lienzo, contemplamos homogéneas tonalidades y espejismos poliédricos, en un combate a contratiempo, de ganancia y de transgresión, en el que cristaliza el entramado de la ciudad imaginada.

Mímesis de su propia obra en la que, manteniendo el rumbo y cifrando el lenguaje en códigos renovados, asistimos a un trabajo que ha madurado y devenido en particular quehacer, añadiendo, a sus constantes registros, ponderaciones encubiertas de simbología recurrentemente ascético religiosa, desenlace de su exploración y laboreo, que ha hilvanado en series de coloración única, para transmitir los elementos y los estados del alma, tal y como nos revela, y que fundamentan su nueva colección, audazmente resuelta y presentada con pulcritud.

Fabulamos y visitamos, en un alarde de imaginación, las ciudades invisibles que Marco Polo describiera a Kublai Kan, en las embajadas de sus viajes, y que se nos legaran como lugares de quimera y destierro, e igualmente nos suceden instantes soberbios por la arrogancia, espiritual y desmesurada, de los territorios que Ramón Martínez Buades ha conquistado y expresado en estos relatos visuales de alivio y melancolía, en estas armónicas combinaciones de sutiles diseños, como viajes que se desdibujan sentenciados en la transcripción de Doors in colors.

Solivianta el efecto y su consecuencia, constructos de significados, ordenados con determinación, en incisivos mapas y partituras de un tiempo cuya raíz se alarga, proyectada en recitativos cromáticos, bajo atmósferas plurales, a un espacio de lejana percepción y de reciente aprehensión, provocando un desenlace de sorpresa y singularidad que, aun siendo previsible, perturba, y a quien esto escribe lo desconcierta y lo celebra.

La conquista de cimas que andan a pie de calle sea quizás, como se ha adelantado, la anhelada ambición que mejor lo identifica, intrépida dificultad por salvarse de lo convencional y de la abstracción, de escalonada y gradual expresividad, en escuetos puntos de partida que despiertan nuestros sentidos, apuntalando un horizonte de idas simultáneas y retornos puntuales, de analíticas y obsesionadas reflexiones, de urdimbres textuales y confabuladas texturas de las que nos sabemos irremediablemente enredados.

Si en su cuidadosa estrategia nos hemos dado por enterados de que se apega a imágenes de naturaleza urbana y místicas implicaciones, dispensadas de confusión en apariencia, voluntarias evasiones que acaban atrapadas en trampas mentales de intrincados planos, entre líneas y tinturas veladas, sabremos, también, que sus exhibidas abstracciones ficcionan representando mucha realidad, y que nos encontramos ante una propuesta pictórica que subraya e informa, con incalculables fracturas y progresivos cromatismos, un trabajo mimado y bien tratado, pulido con intrépida decisión y perseverancia, de amplia dimensión y matizado espectro escénico.

Documentada en rigurosa confidencialidad y plasmada con vehemencia, esta exposición nos presenta el desenlace de un ejercicio de investigación, expresado en lenguaje abstracto y, no obstante, resueltamente iconográfica, y de compulsiva vocación narrativa, cuyo planteamiento se derrama gestualmente en un relato de ritmo bien concertado, que testimonian ciudades de contrapunto fugaz, y de cuadrícula congelada en el tiempo. De exigente capacidad, inflexible disciplina y trabada geometría, nos habla, en clave de figurada tentativa gráfica, de un largo pasado que viene puliendo con silenciosa excelencia, a la que se aferra imperativa, anímica y obstinadamente.

lrineo Sanz

Catálogo de la Exposición

Dentro de la tormenta

16 de diciembre – 28 de febrero

Dentro de la tormenta

Luciano

Nos cuenta Gabriel García Márquez en su célebre libro “El amor en los tiempo del cólera” publicado en 1985, como el amor se mantiene firme en el tiempo, ante todas de adversidades, vicisitudes y contratiempos que nos depara la vida; llegando a superar el paso de los años, la vejez y hasta la propia muerte.

Luciano

La obra  que presento hoy aquí es el resultado de muchos años de transitar por diferentes  sendas y caminos, desde  que a los 13 años empecé en la Escuela de Artes y oficios y tras haber pasado por  otras muchas instituciones.

Siendo mi formación principalmente figurativa, busqué un estilo lo más  académico posible,  llegando un momento en que buscaba plasmar todo lo que veía de una manera fotográfica, considerándome en ocasiones  un pintor hiperrealista.

Pero cuando consideras que dominas la técnica,  surge algo dentro de tu propio ser que te pide algo más (la propia obra siempre te pide más, es insaciable.  Decía mi tristemente fallecido amigo, el crítico de arte Jesús Mazariegos, que era como una amante insatisfecha). Te descubres solo, te das  cuenta de que ya no hay compañeros o profesores donde refugiarte. Es tu tarea ahora derribar  barreras y dificultades con tu propio esfuerzo, tesón, dedicación y con el trabajo diario.

Yo estaba en ese momento cuando monté mi propio taller con la idea de satisfacer esa zozobra, conseguida al ir depurando un lenguaje pictórico personal y propio.

Partiendo de una primera etapa figurativa en la que predominada el cuerpo humano,  este se fue incardinando con algo similar a  ciudades donde al principio convivían bien, siendo el protagonista principal el cuerpo humano,  hasta que llegó a desaparecer en favor de la ciudad. Los siguientes cuadros eran ya solo ciudades sin ninguna presencia del ser humano. El siguiente paso fue  la desaparición de la ciudad, así como de cualquier  tipo  de forma o geometría, dando paso a  una depuración formal en la que el cuadro era solo color, algo con lo que siempre me he obsesionado en el tratamiento, intentando conseguirlo muy depurado,  bello y muy limpio.

Sin embargo, no eran cuadros de un color monocromático, si no con multitud de combinaciones y gamas de colores,  a la vez muy combinados.

Esto  dio lugar a cuadros muy atmosféricos, de gran limpieza y belleza, pero me volvió a ocurrir que la obra pidió más,  y es cuando surgió la línea que atraviesa la pintura de lado a lado del lienzo; es en este momento  cuando los espectadores empiezan a identificarla con paisajes, por esa tendencia que el cerebro tiene de asociar que lo que está encima de la línea a modo de horizonte es cielo y lo que hay debajo es tierra.

Esta línea fue evolucionando,  pasando de  ser una línea fina y delgada a  una  más ancha en la que se encontraba a su vez otro paisaje, con multitud de cambios, matices y líneas.

Una vez más la propia obra pide más y llega un momento en que la  línea desaparece y el corte longitudinal de lado a lado se sigue produciendo con la propia pintura,  a veces muy sibilinamente y otras de manera más gráfica,  en unas ocasiones casi oculta y en otras muy evidente.

Yo, que siempre renegué del paisaje, después de tantos años veo como empieza a reaparecer un paisaje no al uso o tradicional,  sino muy diferente,  muy personal.

No puedo  olvidar que hasta llegar aquí experimenté con multitud de materiales,  estilos y formas, como la escultura cerámica, el hierro, o los objetos de diseño: lámparas,  instalaciones,  juegos de luz y ensamblaje de planchas de madera que podían ser contempladas  fijando la mirada en una sola o en todas ellas a la vezsiendo un resultado muy armónico .

De aquí viene la primera línea de horizonte,  dentro del paisaje pero sin pintura, era el canto de la madera cortado a bisel lo que producía esa sensación óptica a modo de horizonte.

También pasé por épocas de experimentación como la abstracción, el collage, fondos y vacíos, pinturas geométricas, analíticas,  matemáticas, y con predominancia del círculo, así como la ilustración de libros en diferentes editoriales. Uno de los libros que escribí, ilustré y publiqué  es: “Voces del Bosque” en la editorial Fuente de la Fama de Valladolid.

El título de mi anterior exposición “Soldado de Derrota” hacía  un símil con la propia pintura, en esta ocasión el título es “Dentro de la tormenta”  volviendo a realizar un paralelismo con los tiempos que tristemente vivimos y  por la propia tormenta que es la creación de la obra de arte.

 Referenciando de nuevo  a Gabriel García Márquez, que escribió “el amor perdura siempre” con la pintura pasa lo mismo, la vida pasa y ella a pesar de los avatares de la vida,  permanece siempre.

En definitiva, la obra que presento es mi lenguaje pictórico más personal,  fruto de todos esos años de aprendizaje y  experimentación, lenguaje al que atribuyo  mucho recorrido y que intentaré que siga avanzando, descubriéndome  nuevos hallazgos y aportando muchas y nuevas sensaciones y emociones.

Luciano

Catálogo de la Exposición

Lita Cabellut

Mis huellas sobre el papel

Enero – Abril 2020

Mis huellas
sobre el papel

Lita Cabellut

Lita Cabellut

Volver a exponer en Soria siempre será, para mí, un hecho emocionante y de un peso sentimental muy grande.

Poder mostrar mi trabajo a mis paisanos me produce una emoción muy diferente a la de exponer en cualquier otra parte del mundo.

Por razones obvias, y al querer dedicarme únicamente a la pintura, tuve que salir de mi tierra siendo muy joven y, aun habiendo hecho multitud de exposiciones en España y fuera de España, cada vez que hago una exposición en Soria, la carga emotiva es muy fuerte y diferente. El poder presentar los últimos trabajos a mis familiares, amigos y paisanos es algo que siento de manera muy especial a cuando expongo en otras partes lejos de mi tierra.

En esta nueva exposición, hay incluidos algunos cuadros muy representativos de Soria: esto siempre ha sido una constante durante años y, desde que me dedico a la pintura, tener presente a mi tierra, a la cual me siento muy unido y de una manera tan fuerte que yo comparo con el cordón umbilical que une a un hijo con su madre. Esa nostalgia constante, y siempre presente, hace que a lo largo de mi carrera como pintor mi obra haya estado salpicada con esos toques de amor hacia mi tierra soriana.

Espero que, con la misma emoción y cariño con la que yo he preparado esta nueva exposición en Soria pueda ser vista y aceptada por mis paisanos.

Ojalá que la disfruten y piensen que esta exposicion es pintada por un soriano, que migró hace mucho tiempo fuera de su querida tierra natal, para poder recorrer los caminos del arte y poder plasmar algunas imágenes de esta tierra que lleva en el corazón.

Alberto Pancorbo​

Lita-Cabellut-galeria-cortabitarte-2

PANCORBO regresa a Galería Cortabitarte y con él su imaginario. En su obra, figurativa, de tonalidades moduladas y suaves, confluye lo onírico y lo simbólico como un todo. Su iconografía está poderosamente impregnada por la mitología y la simbología del arte sacro, la tradición europea. Hay, sin embargo, una inquietud contemporánea en la inclusión de símbolos universales, de imágenes como los laberintos, que operan como un símbolo múltiple, aludiendo a la vida como viaje, a la privación de la libertad como un angustioso fractal.

La pintura de Pancorbo recoge desde sus inicios un tema que ha marcado su trayectoria, y que se aparece en detalles de sus creaciones desde los años 80 hasta la presente exposición: Soria como visión estética, pero quizás aún más poderosamente como el paraíso perdido de la juventud de aquel que emigra pero sigue arraigado. No nos resultan ajenas las siluetas del Pico Frentes, los contrafuertes que sostienen la planta hexagonal de San Saturio, siempre elevado -incluso sobre el aire- o la recreación de la orilla del Duero, que en su obra conecta con una topografía fantástica.

Es, en efecto, una imagen de Soria recreada, aquella de quien no ha podido olvidar y que, pese a ello huye de la mera representación. Su Soria es un lugar simbólico, que acompaña al artista en su taller de Miami, donde ha ido gestando la presente exposición. También es soriano el pino de sus bastidores, confiesa el pintor. Nos muestra cómo, a pesar de los elementos iconográficos de nuestra provincia, el arte de Pancorbo aspira a la universalidad.

Desde nuestra Galería, queremos agradecer la colaboración del Ayuntamiento de Soria y la Diputación Provincial de Soria, así como de nuestros “Amigos del Arte”: Caja Rural de Soria, Finca Contigo, Adolfo Martínez, Seguros Adolfo Rejas, Electricidad J.Isla, Artes Fritas, Joyería Monreal, Instalaciones Refmi, Embutidos Moreno Sáez, Soria TV y Pensión Herradores.

Catálogo de la Exposición

Selección de Obras expuestas

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