30 de septiembre a 9 de octubre
Soria.Arte nace como un encuentro que busca crear un clima propicio para la creación artística, facilitando la comunicación entre artistas plásticos como medio para potenciar la producción de cada uno de ellos y estableciendo un contacto continuado tanto de ideas como de sensibilidades. En esta primera edición, artistas de todas partes de Europa y Latinoamérica se darán cita entre el 30 de septiembre y el 10 de octubre en la Casa de Montenegro del municipio de Almarza, provincia de Soria.
Durante estos días los artistas trabajarán en sus talleres, a los que podrán acercarse visitantes y curiosos, y presenciar cómo poco a poco van creando su obra. Veladas musicales, viajes por la provincia y una gran exposición final en la galería Cortabitarte de Soria completan el programa.
La iniciativa ha sido posible gracias a su director artístico, el pintor Manolo Oyonarte, a la Fundación CVE y a la Galería Cortabitarte. Agradecemos el respaldo de las instituciones públicas que nos han recibido con los brazos abiertos: al Ayuntamiento de Almarza y su alcaldesa, doña Ascensión Pérez Gómez, a la Diputación de Soria, al Ayuntamiento de Soria y a la Decana de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Comienza la cuenta atrás, el equipo organizador pondrá todo su empeño para que sea una experiencia inolvidable.
Con pinceladas expresivas y llenas de color, Rusudam Khizanashvili nos presenta su particular universo de animales fantásticos y figuras llenas de vitalidad, que paradójicamente, a partir del caos, acaban creando un equilibrio.
Ya sea a través interpretaciones de elementos cotidianos o figuras que poco tienen que ver con la realidad, sus composiciones nos trasladan a un lugar de libertad expresiva, de sorpresa y juego, no exento sin embargo, de temas graves y serios.
En palabras de la propia artista:
“Mis pinturas son la llave que me lleva a un mundo desconocido lleno de historias, un submundo místico que no es ni romántico ni atractivo, en el cual, las tormentas y dificultades de la vida se convierten en el telón de fondo de un nuevo mundo de expresión y libertad”.
Rusudam, vive y trabaja en Tbilisi, Georgia, donde nació en 1979 y recibió sus licenciaturas en pintura, de la Escuela de Arte J.Nikoladze y de la Academia Estatal de Arte de Tbilisi.
En 2005, cursó el máster en estudios audiovisuales de la Academia Estatal de Arte de Tbilisi.
Al mirar la obra de Diana Rudokiené, parece que estamos viendo despejarse la bruma para que detrás aparezca la escena que la artista nos quiere presentar,
Sus figuras oníricas, en un primer momento aparentemente delicadas, consiguen transmitir al espectador un amplio rango de emociones, que van desde la inocencia hasta la fuerza, la seguridad y la sabiduría.
Tan solo con la mirada, Rudokiene, consigue que sus personajes se alcen desafiantes, a la vez mostrando sus vulnerabilidades y compartiendo secretos con el espectador.
En la Pintura de Daniela Jauregui se puede apreciar una preocupación por el ciclo vital, la relación entre el ser humano y la naturaleza y el rol social de la mujer.
En sus cuadros, la vida, la muerte y la feminidad son estudiadas no solo a través sus figuras que en ocasiones representan niñas, ancianas o incluso la muerte misma, sino también mediante la representación de flores, plantas animales… una naturaleza exuberante que parece desbordar los límites del cuadro. Esta impresión se ve reforzada por composiciones abiertas y arriesgadas, y por las formas que en ocasiones la pintora deliberadamente tan solo muestra en parte.
Daniela estudió la Licenciatura en Bellas Artes en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid y cursó la beca Erasmus en la Facultad de Bellas Artes de Budapest, Hungría.
Tras esto realizó capacitaciones en universidades de México y Cuba, como La Esmeralda y el Instituto Superior de Arte de La Habana, respectivamente.
Hace 14 años vive en Playa del Carmen, donde hasta el 2017 impartió clases de arte en instituciones públicas y privadas, siendo la última de ellas la Universidad de Quintana Roo campus Playa del Carmen y donde también es directora de la Galería 18.
Las esculturas de Hugo Wirz, encuentran una bella manera de recordarnos las formas orgánicas por dos vías diferentes, una mediante los materiales y las formas redondeadas y suaves, y la otra con sus patrones.
Apreciables tanto en escultura como en su obra gráfica, el artista crea estructuras que nos sugieren un entramado celular o molecular, en ocasiones incluso asemejándose a estructuras fractales.
Es esta intersección entre la forma ordenada y el caos orgánico, donde encontramos el mimetismo con la naturaleza, y una de las razones por las que su arte es tan atrayente, otra de las razones por supuesto, es la maestría técnica que se puede apreciar a simple vista en su trabajo con la madera.
Nacido en Brugg, Suiza, Hugo Wirz realiza sus estudios escolares y de arquitectura en esta ciudad helvética del cantón Aargau. Durante muchos años compaginó esta profesión con largos periodos de dedicación a su trabajo artístico.
En la década de los setenta vive algunos años en la República de Camerún, donde entra en contacto con comunidades nativas que le despiertan una gran sensibilidad hacia sus manifestaciones vitales y culturales, cuya influencia se refleja en sus obras. Desde hace unos años reside en España.
Al estilo de las culturas ancestrales, Stano Cerny crea con su pintura una cosmogonía personal, lo hace utilizando elementos que nos recuerdan al arte tribal geométrico, a la línea pura primigenia y creando figuras semihumanas llenas de erotismo y libertad, que bien podrían ser dioses o elementales de la naturaleza.
Sus cuadros en tonos tierra, ocre, negro, cargados de símbolos, de patrones… nos presentan una interpretación del mundo primordial, conectada con la naturaleza y con la parte más esotérica del subconsciente colectivo
El artista estudió la licenciatura en Bellas Artes en su país natal, Eslovenia.
Lleva 45 años pintando como profesional y en su haber tiene alrededor de 30 exposiciones individuales y 28 colectivas.
Van der linden, utiliza colores potentes y líneas llenas de movimiento, sus cuadros, que se podrían enmarcar dentro del expresionismo, son vibrantes y llenos de energía.
Van der linden nación en Holanda en 1948, ha recibido reconocimiento internacional por sus cuadros, performances y producciones teatrales. Su primera exposición tuvo lugar en el Beethoven Hotel in Ámsterdam en 1992 , desde entonces ha realizado exposiciones por Europa, América del sur y Estados Unidos.
En el año 2000 fundó la organización, “Paint a future” con la que pretende empoderar a los niños en entornos deprimidos por medio del arte, animándoles a expresar sus sueños y ambiciones a través de la pintura.
Resulta sorprendente observar que a pesar de que los tonos en los cuadros de Oyonarte van variando a lo largo de su producción artística, una constante que se mantiene es su magistral uso del color. Ya sea utilizando brillantes tonos flúor, o más apagados tonos tierra, la combinación de colores es casi un personaje más dentro de sus cuadros.
Sus formas, segmentadas y viscerales, tienen en ocasiones reminiscencias Baconianas, sin embargo, un tono lúdico subyacente las aleja del dramatismo y las llena de luz y energía.
Manolo Oyonarte nación en Madrid en 1957, donde estudió arquitectura y más tarde realizó los estudios de postgrado y doctorado en Bellas artes.
Cuenta en su haber con numerosas exposiciones individuales y colectivas, tanto en España como en Europa. Ha recibido diversos premios de pintura y sus obras se han exhibido en las ferias de arte más importantes de nuestro país.
Cuando Juanjo Viota habla de su pintura, hace referencia a los paisajes y elementos cotidianos que ve al transitar su entorno más cercano, y como busca dignificar o poner de manifiesto su belleza escondida.
Sus pinturas juegan con la familiaridad de estos paisajes urbanos, contrapuesta a sus figuras surrealistas, un atractivo binomio, que justo con sus perspectivas dramáticas y marcadamente cinematográficas, crean la ilusión en el espectador de estar viendo un fotograma de una historia más amplia, un instante congelado en el tiempo de un interesante relato.
Busca Viota de esta manera, que cada espectador cree su propia explicación particular para lo que está pasando en el lienzo, que el observados aporte comienzo y desenlace, a el nudo que el con tanto cuidado y delicadeza presenta en forma de pintura.
La formación de Juanjo Viota, a la vez extensa y atípica, pasa por talleres impartidos por una gran variedad de artistas, entre los que cabe destacar Gloria torné, Antonio López o Juan Uslé. Este heterogéneo grupo de influencias, se pone de manifiesto en su pintura, al constituirse un surrealismo que utiliza figuras realistas impecablemente llevadas a cabo.
Capa tras capa y color tras color, Sònia Toneu, va construyendo sus obras, que se descubren íntimamente relacionadas con el paisaje que tiene a su alrededor en el momento de realización.
Tomando referencias externas como los accidentes geográficos, la luz o la naturaleza manifestándose de manera específica en un paraje, Toneu abstrae y traduce toda esta información a su particular lenguaje. Utiliza elementos cartográficos, figuras geométricas, colores vivos, tonos flúor, líneas marcadas, veladuras, línea libre… Toda una serie de recursos plásticos que finalmente dan lugar a paisajes pictóricos, que son a la vez fruto del entorno y representación abstracta muy alejada de la realidad.
Sònia nació en Aiguaviva, un pequeño pueblo de la cordillera Prelitoral Catalana, en 1988. Realizó los estudios de Bellas Artes en Barcelona, ha estudiado también historia del Arte y diseño gráfico y ha realizado un máster en Prácticas artísticas.
Vive y trabaja en Berlín.
La geometría, la mancha, y la textura son los elementos vertebrales de la pintura de Inma Fierro, esto, más su particular uso del collage, que apenas si puede considerarse tal, teniendo en cuenta que los elementos externos que introduce en sus pinturas son escasos e intensamente intervenidos.
Sus composiciones ponen el énfasis en tratar de transmitir ideas y conceptos complejos a través del lenguaje pictórico, temas como la nostalgia, la maternidad, la construcción de identidad… se hacen patentes en sus cuadros de manera recurrente.
Nacida en Sevilla, Fierro comienza sus estudios de Bellas Artes en esta ciudad para terminarlos en Barcelona donde realizó también Máster de Creación Artística. Amplía su formación en diferentes ciudades como Berlín, Florencia o Bruselas y participa en diferentes becas artísticas como colectivo Tempus de Vista (Lisboa) o Art Cicle Club (Eslovenia).
Las esculturas de Elena Blanch, de formas delicadas y fluidas, representan temas eminentemente humanos, como la maternidad, la pareja…
También poseen una estrecha relación con el mundo natural, ya sea a través de las formas orgánicas de árboles o animales, o de los materiales que utiliza.
Siendo profesora del Departamento de Escultura de la Facultad de Bellas Artes de la UCM desde 1996, Elena Blanch Participa en congresos, proyectos de investigación y exposiciones a nivel nacional, con instituciones como Columbia College, University of Louisville, Fundación Ramón Areces FIDEM, Directora del Curso de Verano de Escultura y Pintura de Ayllón en Segovia.
Marta Gómez-Pintado, ha encontrado reconocimiento como ilustradora, sin embargo, su producción pictórica no acaba con la ilustración.
Sus últimos cuadros, se componen de escasos elementos bien diferenciados, lo que unifica las escenas es su particular utilización de la luz, nostálgica y capaz de crear atmosferas íntimas y paisajes evocadores.
Destacan también los retratos, en las que el sujeto se muestra cándido y honesto ante los ojos del espectador.
Marta nació en Madrid en 1967. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense a los veinte años hacía su primera exposición individual. Desde entonces no ha cesado en su actividad creadora y en ofrecer en exposiciones personales o de grupo
La obra reciente de Juliana oscila entre pictórico y lo escultórico, teniendo sus piezas diferentes lecturas, a la vez como objeto y como lienzo
Si nos remontamos más atrás, podemos entrever el énfasis en la importancia y la capacidad expresiva de la línea, de la oquedad azarosa, y del lenguaje cartográfico.
Juliana Neves Hoffmann, 1965, nacida en Concordia / SC, vive y trabaja en la capital de Santa Catarina. Se licenció en Ingeniería Civil, abandonando esta carrera tras una breve trayectoria para dedicarse al arte. A lo largo de su trayectoria, ha realizado varias exposiciones individuales en espacios expositivos de su estado, como el Museo de Arte de Santa Catarina (1991 y 2004), el Museo Histórico de Santa Catarina (2008) y la Fundación Cultural Badesc (2017). En 2015 ganó el Premio de la Alianza Francesa de Arte Contemporáneo, con una residencia artística en la Cité Internationale des Arts, en París. Los proyectos colectivos incluyen la participación en salones de arte en Santa Catarina, Rio Grande do Sul, Rio de Janeiro y São Paulo. En 2017 y 2019 expuso su obra en la Bienal Internacional de Curitiba. También ha participado en algunos Simposios Internacionales de Arte, entre ellos: “Paint-a-Future – Francia / 2007,“ Sin Fronteras ”- EUA / 2008,“ Sianoja ”- España / 2016 y“ Art Circle ”- Eslovenia / 2019.
La exploración de la intersección, del nudo, las piezas y volúmenes encajando y creando patrones, son algunas de las preocupaciones de la obra escultórica y pictórica de Manolo Sáenz-Messía, lo que da como resultado juegos geométricos imposibles, que se aprecian rotunos y monumentales por la forma y el material pero extrañamente gráciles por la manera que el artista tiene de introducir el equilibrio en las piezas, en ocasiones de una manera manifiestas y en ocasiones de forma más sutil.
Manolo Sáenz-Messía, nace en 1951 en Jaén. Ha vivido en Jaén, Valladolid, Vigo, Cádiz, Madrid, París, Túnez, Torrejón de Velasco (Madrid) y actualmente en Noja (Cantabria). Ha viajado por América, Europa y África. De formación muy heterodoxa pasó por la Escuelas de Marina Civil de Cádiz, el Círculo Bellas Artes de Madrid, la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, la Universidad de Vincennes, Fac. de Beaux Arts. París., IFICT de Lisboa y Laboratorio delle Arti Scheniche di Chieti (Programa Caleidoscopio), UNED.
A pesar de haberse dedicado toda la vida a la pintura , nunca recibió un educación artística formal, viniendo sus referencias de su relación con Fernando Zobel y la comunidad de artistas que se formó en torno al museo de arte abstracto de cuenca.
Esta introducción a la pintura por parte del sector más informalista de nuestra tradición pictórica se hace patente es su pintura
La pintura de Peñalver es una explosión de color y movimiento, muy libre en el uso del color y de la forma, puro dinamismo en la abstracción, su experimentación con el azar y con la pintura mezclada directamente sobre el lienzo da como resultado cuadros vibrantes y llenos de vida.
Rafael Peñalver, vive y trabaja en Madrid, además de la pintura, su producción artística toma tan diversas formas como la poesía, el videoarte, el arte efímero y la instalación. Su obra se puede encontrar en el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander.
La obra de Ceña parece representarnos recuerdos. Con un toque ligeramente nostálgico en el tema y sus composiciones fraccionadas de elementos y colores superpuestos, sus pinturas son como una ventana al subconsciente.
Los diferentes elementos y situaciones que se combinan para crear una experiencia nueva y diferente.
Jose luis Ceña, estudia la Carrera de Bellas Artes en Madrid, tras lo cual le es concedida la beca de grabado y diseño gráfico de la Real Casa de la Moneda de Madrid, trabaja como profesor en el Máster de medios de impresión grafica de la universidad de castilla la mancha.
Lorenzo moya nos acerca en sus pinturas al surrealismo y al realismo mágico.
Sus figuras solitarias en mitad de paisajes de ensueño nos dan la sensación de que hemos irrumpido en un momento íntimo de un universo fantástico, consiguiendo que sus obras tengan un halo de misterio.
Lorenzo Moya Soto, nació en 1967, en Paine, Chile. Estudió pintura de figura humana en el Instituto de Arte Contemporáneo en 1984. ingresó a la carrera de Arquitectura en la Universidad Católica de Chile en 1985, y entre 1986 y 1990 estudió Licenciatura en Arte, con mención en pintura, en la Universidad de Chile
Eloy Velázquez no huye de temas difíciles, más bien busca poner a la luz problemas sociales, como la inmigración irregular, los salvajes conflictos armados, el progresivo control que las redes sociales ejercen sobre los espectadores,
A veces desde el punto de vista de aquellas personas que sufren de primera mano las consecuencias, para ello crea figuras de madera de un formalismo románico que apoya las expresivas muecas en las figuras, creando rostros contorsionados por el miedo, el sufrimiento y la indefensión.
Eloy Velázquez es Licenciado y doctor en Historia del Arte por la Universidad de Oviedo en Asturias, realizó asimismo, estudios de grabado en la Scuola Internazionale di Specializzazione Gráfica “Il Bisonte” de Florencia (Italia) y en el Centre Internacional de Recerca Gráfica de Calella ( Barcelona) . Ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales y su obra se encuentra expuesta en diversos museos y fundaciones.
La Galería Cortabitarte y fundación CVE presentan I Simposio Internacional de arte Soria.Arte que está teniendo lugar en el pueblo de Almarza, en la provincia de Soria, durante los
Soria.Arte nace como un encuentro que busca crear un clima propicio para la creación artística, facilitando la comunicación entre artistas plásticos como medio para potenciar
Mosquera de Barnuevo 8
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