Soria.Arte nace como un encuentro que busca crear un clima propicio para la creación artística, facilitando la comunicación entre artistas plásticos como medio para potenciar la producción de cada uno de ellos y estableciendo un contacto continuado tanto de ideas como de sensibilidades. En esta primera edición, artistas de todas partes de Europa y Latinoamérica se darán cita entre el 30 de septiembre y el 10 de octubre en la Casa de Montenegro del municipio de Almarza, provincia de Soria.
Durante estos días los artistas trabajarán en sus talleres, a los que podrán acercarse visitantes y curiosos, y presenciar cómo poco a poco van creando su obra. Veladas musicales, viajes por la provincia y una gran exposición final en la galería Cortabitarte de Soria completan el programa.
La iniciativa ha sido posible gracias a su director artístico, el pintor Manolo Oyonarte, a la Fundación CVE y a la Galería Cortabitarte. Agradecemos el respaldo de las instituciones públicas que nos han recibido con los brazos abiertos: al Ayuntamiento de Almarza y su alcaldesa, doña Ascensión Pérez Gómez, a la Diputación de Soria, al Ayuntamiento de Soria y a la Decana de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Comienza la cuenta atrás, el equipo organizador pondrá todo su empeño para que sea una experiencia inolvidable.
Con pinceladas expresivas y llenas de color, Rusudam Khizanashvili nos presenta su particular universo de animales fantásticos y figuras llenas de vitalidad, que paradójicamente, a partir del caos, acaban creando un equilibrio.
Ya sea a través interpretaciones de elementos cotidianos o figuras que poco tienen que ver con la realidad, sus composiciones nos trasladan a un lugar de libertad expresiva, de sorpresa y juego, no exento sin embargo, de temas graves y serios.
En palabras de la propia artista:
“Mis pinturas son la llave que me lleva a un mundo desconocido lleno de historias, un submundo místico que no es ni romántico ni atractivo, en el cual, las tormentas y dificultades de la vida se convierten en el telón de fondo de un nuevo mundo de expresión y libertad”.
Rusudam, vive y trabaja en Tbilisi, Georgia, donde nació en 1979 y recibió sus licenciaturas en pintura, de la Escuela de Arte J.Nikoladze y de la Academia Estatal de Arte de Tbilisi.
En 2005, cursó el máster en estudios audiovisuales de la Academia Estatal de Arte de Tbilisi.
Al mirar la obra de Diana Rudokiené, parece que estamos viendo despejarse la bruma para que detrás aparezca la escena que la artista nos quiere presentar,
Sus figuras oníricas, en un primer momento aparentemente delicadas, consiguen transmitir al espectador un amplio rango de emociones, que van desde la inocencia hasta la fuerza, la seguridad y la sabiduría.
Tan solo con la mirada, Rudokiene, consigue que sus personajes se alcen desafiantes, a la vez mostrando sus vulnerabilidades y compartiendo secretos con el espectador.
En la Pintura de Daniela Jauregui se puede apreciar una preocupación por el ciclo vital, la relación entre el ser humano y la naturaleza y el rol social de la mujer.
En sus cuadros, la vida, la muerte y la feminidad son estudiadas no solo a través sus figuras que en ocasiones representan niñas, ancianas o incluso la muerte misma, sino también mediante la representación de flores, plantas animales… una naturaleza exuberante que parece desbordar los límites del cuadro. Esta impresión se ve reforzada por composiciones abiertas y arriesgadas, y por las formas que en ocasiones la pintora deliberadamente tan solo muestra en parte.
Daniela estudió la Licenciatura en Bellas Artes en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid y cursó la beca Erasmus en la Facultad de Bellas Artes de Budapest, Hungría.
Tras esto realizó capacitaciones en universidades de México y Cuba, como La Esmeralda y el Instituto Superior de Arte de La Habana, respectivamente.
Hace 14 años vive en Playa del Carmen, donde hasta el 2017 impartió clases de arte en instituciones públicas y privadas, siendo la última de ellas la Universidad de Quintana Roo campus Playa del Carmen y donde también es directora de la Galería 18.
Las esculturas de Hugo Wirz, encuentran una bella manera de recordarnos las formas orgánicas por dos vías diferentes, una mediante los materiales y las formas redondeadas y suaves, y la otra con sus patrones.
Apreciables tanto en escultura como en su obra gráfica, el artista crea estructuras que nos sugieren un entramado celular o molecular, en ocasiones incluso asemejándose a estructuras fractales.
Es esta intersección entre la forma ordenada y el caos orgánico, donde encontramos el mimetismo con la naturaleza, y una de las razones por las que su arte es tan atrayente, otra de las razones por supuesto, es la maestría técnica que se puede apreciar a simple vista en su trabajo con la madera.
Nacido en Brugg, Suiza, Hugo Wirz realiza sus estudios escolares y de arquitectura en esta ciudad helvética del cantón Aargau. Durante muchos años compaginó esta profesión con largos periodos de dedicación a su trabajo artístico.
En la década de los setenta vive algunos años en la República de Camerún, donde entra en contacto con comunidades nativas que le despiertan una gran sensibilidad hacia sus manifestaciones vitales y culturales, cuya influencia se refleja en sus obras. Desde hace unos años reside en España.
Al estilo de las culturas ancestrales, Stano Cerny crea con su pintura una cosmogonía personal, lo hace utilizando elementos que nos recuerdan al arte tribal geométrico, a la línea pura primigenia y creando figuras semihumanas llenas de erotismo y libertad, que bien podrían ser dioses o elementales de la naturaleza.
Sus cuadros en tonos tierra, ocre, negro, cargados de símbolos, de patrones… nos presentan una interpretación del mundo primordial, conectada con la naturaleza y con la parte más esotérica del subconsciente colectivo
El artista estudió la licenciatura en Bellas Artes en su país natal, Eslovenia.
Lleva 45 años pintando como profesional y en su haber tiene alrededor de 30 exposiciones individuales y 28 colectivas.
Van der linden, utiliza colores potentes y líneas llenas de movimiento, sus cuadros, que se podrían enmarcar dentro del expresionismo, son vibrantes y llenos de energía.
Van der linden nación en Holanda en 1948, ha recibido reconocimiento internacional por sus cuadros, performances y producciones teatrales. Su primera exposición tuvo lugar en el Beethoven Hotel in Ámsterdam en 1992 , desde entonces ha realizado exposiciones por Europa, América del sur y Estados Unidos.
En el año 2000 fundó la organización, “Paint a future” con la que pretende empoderar a los niños en entornos deprimidos por medio del arte, animándoles a expresar sus sueños y ambiciones a través de la pintura.
Resulta sorprendente observar que a pesar de que los tonos en los cuadros de Oyonarte van variando a lo largo de su producción artística, una constante que se mantiene es su magistral uso del color. Ya sea utilizando brillantes tonos flúor, o más apagados tonos tierra, la combinación de colores es casi un personaje más dentro de sus cuadros.
Sus formas, segmentadas y viscerales, tienen en ocasiones reminiscencias Baconianas, sin embargo, un tono lúdico subyacente las aleja del dramatismo y las llena de luz y energía.
Manolo Oyonarte nación en Madrid en 1957, donde estudió arquitectura y más tarde realizó los estudios de postgrado y doctorado en Bellas artes.
Cuenta en su haber con numerosas exposiciones individuales y colectivas, tanto en España como en Europa. Ha recibido diversos premios de pintura y sus obras se han exhibido en las ferias de arte más importantes de nuestro país.
Cuando Juanjo Viota habla de su pintura, hace referencia a los paisajes y elementos cotidianos que ve al transitar su entorno más cercano, y como busca dignificar o poner de manifiesto su belleza escondida.
Sus pinturas juegan con la familiaridad de estos paisajes urbanos, contrapuesta a sus figuras surrealistas, un atractivo binomio, que justo con sus perspectivas dramáticas y marcadamente cinematográficas, crean la ilusión en el espectador de estar viendo un fotograma de una historia más amplia, un instante congelado en el tiempo de un interesante relato.
Busca Viota de esta manera, que cada espectador cree su propia explicación particular para lo que está pasando en el lienzo, que el observados aporte comienzo y desenlace, a el nudo que el con tanto cuidado y delicadeza presenta en forma de pintura.
La formación de Juanjo Viota, a la vez extensa y atípica, pasa por talleres impartidos por una gran variedad de artistas, entre los que cabe destacar Gloria torné, Antonio López o Juan Uslé. Este heterogéneo grupo de influencias, se pone de manifiesto en su pintura, al constituirse un surrealismo que utiliza figuras realistas impecablemente llevadas a cabo.
